hoy no tengo que ir a bosnia

Galeria de arte impuro XXIII: Reflejo a punto

2012-02-02T17:03:00.000-03:00

GATUBELA

2012-02-01T15:55:00.000-03:00

Mundo real ven a mi......

2012-01-30T21:14:00.001-03:00

"La ficcion no es la creacion de un mundo imaginario opuesto al mundo real. Es el trabajo que produce disenso , que cambia los modos de presentacion de lo sensible y las formas de enunciacion al cambiar los marcos, las escalas o los ritmos, el construir relaciones nuevas entre la apariencia y la realidad, lo singular y lo comun, lo visible y su significacion. Cambia las coordenas de lo representable; cambia nuestra percepcion de los acontecimientos sensibles, nuestra manera de relacionarlos con sujetos,la manera en la que nuestro mundo es poblado de acontecimientos y de figuras."
Fragmento de Las paradojas del arte politico- El espectador emancipado de Jacques Ranciere.

Marco de cabeza sin cuerpo

Demasiado temprano o demasiado tarde

2012-01-28T18:03:00.000-03:00

"Percibir en la oscuridad del presente esa luz que trata de alcanzarnos y no puede: eso significa ser contemporáneos.

Por eso los contemporáneos son raros; y por eso ser contemporáneos es, ante todo, una cuestión de coraje: porque significa ser capaces, no sólo de mantener la mirada fija en la oscuridad de la época, sino también de percibir en esa oscuridad una luz que, dirigida hacia nosotros, se nos aleja infinitamente. Es decir, una vez más: llegar puntuales a una cita a la que sólo es posible faltar."

Fragmento ¿Qué es lo contemporáneo? Giorgio Agamben

Vivir el presente no alcanza y no me alcanza. A veces tengo la sensacion que no puedo perder tiempo para confirmar varias veces si lo que veo, siento y pienso es como lo veo, siento y pienso. El choque entre esas dos percepciones me mantiene ocupada y en ese lugar entra la palabra coraje.

No siesta 4: Simetria

2012-01-23T13:31:00.000-03:00

No siesta 3: Plan de cambio( overturn)

2012-01-19T21:01:00.000-03:00

"...No tenemos que convertir a los espectadores en actores. Tenemos que reconocer cualquier espectador es ya un actor de su propia historia y que el actor es también el espectador del mismo tipo de historia. No tenemos que convertir el ignorante en personas educadas, o, de acuerdo a un plan de cambio (overturn), hacer del estudiante o el ignorante el maestro de los maestros. Déjenme hacer un pequeño recorrido (detour) a través de mi propia experiencia política y académica. Pertenezco a una generación que se encontró entre dos afirmaciones rivales (competing statements): de acuerdo a la primera, aquellos que tuvieron la inteligencia del sistema social tenían que enseñárselo a aquellos que sufrían de ello, y actuarían en función de derrocar ese sistema; según el segundo, la supuestas personas educadas eran ignorantes: como no sabían nada sobre la explotación y la rebelión, debían convertirse los estudiantes de los llamados trabajadores ignorantes. Por lo tanto intente re-elaborar la teoría marxista para dar sus armas revolucionarias a un nuevo movimiento revolucionario, y después aprender de aquellos que trabajaban en las fabricas que significaba explotación y rebelión.
Para mi y tantos otros en mi generación, ninguno de esos intentos fueron realmente exitosos. Es por eso que decidí mirar en la historia del movimiento obrero por los motivos de las desavenencias (mismatches) entre los trabajadores y los intelectuales que vinieron y visitaron, tanto para instruirles como para ser instruidos por ellos. Tuve la suerte de descubrir que no era una cuestión de la relación entre conocimiento e ignorancia, al menos no en una medida mayor a la relación que puede darse entre saber y actuar o individualidad y comunidad. Un día de mayo, en los años 70, mirando a la carta de un trabajador de 1930 para conocer las condiciones y la conciencia que tenían los obreros en aquel momento, encontré algo bastante diferente: las aventuras de dos visitantes, en otro día y otro momento de mayo, ciento cuarenta años antes. Uno de los remitentes acababa de ser introducido en la utópica comunidad de los Saint-simones y contó a sus amigos el calendario de sus días en utopía: trabajos, ejercicios, juegos, coros y historias. Su amigo había hecho con le contaba la historia de una fiesta en el campo que acababa de hacer con otros dos trabajadores para disfrutar su domingo libre. Pero no era el típico domingo ocioso de los obreros recuperando sus fuerzas físicas y morales para la semana siguiente. Fue de hecho una ruptura hacia otro tipo de ocio: el ocio de los estetas que disfrutan las formas , luces y sombras de la naturaleza , de los filósofos que pasan el tiempo intercambiando hipótesis metafísicos en un albergue y los apóstoles que partieron a comunicar su credo a los compañeros encontrados azarosamente en cualquier albergues estos trabajadores que debían haberme ofrecido información sobre las condiciones de trabajo y las formas de conciencia de clase en los años 1930 aportaron algo diferente: un sentido del aprecio o igualdad: ellos eran también espectadores y visitantes entre su propia clase. Su actividad como propagandistas no podía ser separado de su pasividad como meros paseantes y contempladores.
La crónica de su ocio supuso una reorganización (reframing) de las relaciones entre hacer, ver, y decir. Al tiempo que se convertían en espectadores, echaron abajo la distribución de lo sensible donde aquellos que trabajan no tienen tiempo para pasear y mirar a ratos (at random), y los miembros de un colectivo no tienen tiempo para ser “individuos”.
Esto es lo que emancipación significa: el difuminar la oposición entre aquellos que miran y aquellos que hacen, aquellos que son individuales y aquellos que son miembros de un cuerpo colectivo. Lo que aquellos “días” trajeron no era el conocimiento y energía para una acción futura. Era la reconfiguración hic et nunc de las distribución del tiempo y el espacio. La emancipación de los trabajadores no era cuestión de adquirir conocimiento de su propia condición. Era cuestión de configurar un tiempo y espacio que invalidara la antigua distribución de lo sensible, condenando (dooming) a los obreros a no hacer nada de sus noches excepto recuperar fuerzas para trabajar el día siguiente.
Comprender el sentido de esa ruptura en el mismo corazón del tiempo supuso establecer un tipo nuevo de conocimiento basado no en la presuposición de la distancia, sino en la presuposición de semejanza (likeness). Ellos eran también intelectuales, como cualquiera. Eran visitantes y espectadores, como el investigador , quien ciento cuarenta años después estaban leyendo sus cartas en la biblioteca , como los visitantes de la teoría marxista o la puertas de la fabrica. No había distancia para cubrir entre intelectuales y obreros, actores y espectadores, ni distancia entre dos poblaciones , Doz situaciones o dos edades. Opuestamente, había una semejanza que había que reconocer y que se ponia en juego en la misma producción de conocimiento. Este ponerse en juego significaba dos cosas.
Primero, significó renunciar a las fronteras entre disciplinas. Contando la historia ((hi)-story) de aquellos días y noches me obligo a borrar las fronteras entre el campo de la historia “empírica” y el campo de la filosofía “pura”.La historia que esos trabajadores contaban era sobre el tiempo, sobre la perdida y reapropiación del tiempo. Para mostrar lo que significaba, debía ponerlo en relación directa con el discurso teorético del filosofo, Platón, quien dijo hacia mucho tiempo, en La republica, la misma historia pero explicando que en una comunidad bien ordenada todo el mundo debía hacer solo una cosa, su propio negocio (their own business) ,y que los trabajadores ,de todos modos, no tenían tiempo para estar en otro sitio que su propio lugar de trabajo y que no podían hacer nada más que hacer el trabajo de acuerdo a su (in)capacidad, dada por la naturaleza.
La filosofía no podría entonces aparecer como la esfera del pensamiento puro separado de la esfera de los hechos empíricos. Tampoco como la interpretación teórica de esos hechos. No había ni hechos ni interpretaciones. Había dos maneras de contar historias. Borrando los bordes entre disciplinas académicas significo también borrar las jerarquías entre niveles del discurso, entre la narración de un historia y la explicación filosófica o científica de la razón de la historia o la verdad detrás o debajo la historia. No había meta discurso contando la verdad sobre un discurso de nivel inferior. Lo que había que hacer era una tarea de traducción (translation), mostrando como historias empíricas y filosóficas traducen unas a otras. Producir un nuevo lenguaje supuso inventar la forma idiomática que haría la traducción posible. Tenia que utilizar ese idioma para contar mi propia aventura intelectual, con riesgo que el idioma permanezca “ilegible” para todos aquellos que quisieran saber la causa de la historia, su verdadero significado o la lección para la acción que pudiera deducirse de ella. Tendría que producir un discurso que sería legible solo para aquellos que hicieran su propia traducción (translation) tomando su propia aventura como punto de vista. Ese recorrido personal puede que nos lleve de nuevo al corazón del problema. Esas cuestiones de cruzar los bordes y borrar las distribución de roles coincide (come up) con la actualidad del teatro y la actualidad del arte contemporáneo, donde todas las aptitudes artísticas (artistic competences) salen de su campo e intercambian sus lugares y poderes con los demás. Tenemos obras de teatro sin palabras y bailes con palabras; instalaciones y performances en ves de trabajos “plásticos”; video proyecciones convertidas en ciclos de frescos ; fotografías convertidas en imágenes vivas o pinturas históricas; escultura que se convierte en un show hipermediatico, etc,etc. Ahora hay tres maneras de entender y practicar la confusión de géneros. El renacimiento de la “obra total” (Gesamtkunstwerk) que supone ser el apoteosis del arte como forma de vida pero que actualmente demuestra ser el apotheosis de un fuerte ego artístico o el apotheosis de un consumismo hiperactivo, sino ambos al mismo tiempo . Existe la idea de una “hibridación” de los medios artísticos (means of art) , que encararían con un new age individualismo masivo observado como una era de implacable intercambio entre roles e identidades, entre realidad y virtualidad, vida y prótesis mecánicas, etc. A mi parecer, esta segunda interpretación apunta finalmente al mismo lugar que el primero. Lleva a otro tipo deconsumismo hiperactivo, otro tipo de degradación (stultification), usando el cruce de bordes o la confusión de roles como medio para aumentar el poder de la performance sin cuestionar sus bases/principios (grounds). La tercera vía -la buena vía en mi opinión- no busca la amplificación del efecto sino la transformación de la misma combinación causa/efecto (the cause/effect scheme itself), el rechazo de la serie de opuestos que asienta el proceso de degradación ( stultification). Invalida la oposición entre actividad y pasividad, tanto como al plan de “transmisión igualitaria” y a idea comunitaria del teatro que la hace una alegoría de la desigualdad. El cruce de bordes y la confusión de roles no debería llevar a una forma de “hyperteatro” poniendo al espectador en acción/actividad (turning spectatorship into activity) convirtiendo representación en presencia. Al contrario, debería cuestionar el privilegio teatral de la presencia viva y poner la escena a un vivel de igualdad con contar de un cuento o la escritura y lectura de un libro. Debería ser la institución de un nuevo nivel de igualdad, donde diferente tipos de performances serían traducidos (translated) entre ellos. En todos esos performances, es cuestión de unir lo que uno sabe con lo que uno no sabe, de ser al mismo tiempo performers que muestran sus aptitudes y visitantes o espectadores que esta mirando por aquello que las aptitudes puedan producir en nuevos contextos, entre gente desconocida.
Los artistas, como los investigadores, construyen el escenario donde la manifestación y el efecto de sus aptitudes se vuelven dudosos al encuadrar la historia de una nueva aventura en un nuevo idioma. El efecto del idioma no puede ser anticipado. Exige espectadores que sean activos como interpretes, que intentan inventar su propia traducción para apropiarse de la historia por si mismos y hacer de ello su propia historia. Una comunidad emancipada es de hecho una comunidad de cuenta cuentos y traductores. Soy consciente que todo esto pueda sonar a eso: palabras, meras palabras. Pero no tomaría esto como un insulto. Hemos oído tantos speakers haciendo pasar sus palabras como algo mas que palabras, como contraseña para entrar a una nueva vida. Hemos visto tantos espectáculos presumiendo ser no meros espectáculos sino ceremonias comunitarias. Aun hoy, a pesar del llamado escepticismo posmoderno sobre la vida cambiante, podemos ver tantos show convertidos a misterios religiosos que pueda no ser escandaloso escuchar que las palabras son solo palabras. Partiendo con los fantasmas del Verbo hecho carne ( the Word made flesh) y el espectador hecho activo (turned active) , conociendo que las palabras son solo palabras y los espectáculos solo espectáculos puede que nos ayude a entender como las palabras, historias y performances pueden ayudarnos a cambiar algo en el mundo en que vivimos."
Jacques Ranciere

(Este fragmento del texto que es fruto de una conferencia, fue publicado en inglés por International Festival:www.international-festival.org Traducción: Igor de Quadra)

No siesta 2: Planes y proyectos

2012-01-13T15:13:00.000-03:00

No siesta

2012-01-11T16:05:00.004-03:00

Galeria de arte impuro XXII: manomanomanomano

2012-01-11T09:36:00.000-03:00

Jhon Stezaker

2012-01-09T14:57:00.000-03:00

Lo personal es politico

2012-01-06T20:15:00.001-03:00

Ayer en un mensaje de celular Angel Romero vendedor ambulante y el protagonista de MANTENIENDOSE VIVO me dice: la semana queviene nos vemos? Y yo le escribo una rara respuesta: si!!! pero estamos de vacaciones!!!!.

Pienso y me pregunto vacaciones de que?, seguro que para vernos y ensayar no es ….. Levanto la mirada suspendida como pensando o yendo para atrás y recuerdo cuando en el 2000 por razones fisicas y emocionales fui a muchas consultas de médicos y me recorria todas las salas deconsultorios bahienses. En esa etapa profundice algo que desde chica me fascinaba en torno a lo biografico , lo que hacia con audacia era arrancar de golpe y un tiron todas las entrevistas que me gustaban de cuanta revista encontraba . Teniauna técnica perfeccionada : miro a todos lados, registro el momento en que se escucha otro sonido fuerte en la sala y chakate!!!. Creo que alguna vez me vieron perono importaba porque el objetivo estaba cumplido y mi cartera se llenaba de entrevistas fragmentadas , pedazos de preguntas mal cortadas. Despues entraba a la consulta repleta de esos datos y seguía mi biografia pegada a lo que había leído, una suerte de cut- up medicinal, mezcla de historia personal e historia con mayúscula, lo publico que se filtra en lo privado.

Me gusta trabajar con Angel Romero con calor de vacaciones y escuchando por enesima vez como su vida en San Justo Pcia de Bs As se pega con la mia en Bahia Blanca. Generaciones que se cruzan al toque. Por enesima vez un dibujo que hace sobre Vietnan con musica de fondo de Joan Baez me hace recordar a su vez a Joan Baez cantada a toda voz por mi papa mientras lavaba los platos alla en el 70.

Hay un pez Malena

2012-01-04T17:59:00.000-03:00

Que lo parta un rayo!!!!

2012-01-03T10:52:00.001-03:00

Nada de lamentos

2012-01-02T15:28:00.000-03:00

Accion directa:

El problema es la solución.

¿No hay espacios para mostrar nuestros proyectos? ¡mostremolas nosotros! ¿No hay encuentros para pensarnos ? ¡Lo creamos! ¿No hay crítica en el diario? ¡La escribimos! La necesidad no es nuestro freno es nuestro motor.

2012
Motor en marcha.

Texto que adapte de una entrevista a Jonas Mekas, cineasta independiente, co-fundo la cooperativa de directores de Nueva York.

Hoy es mi cumple y mi regalo es sentir esto

2011-12-30T09:18:00.000-03:00

Things that have been left behind

2011-12-29T18:08:00.003-03:00

Añadir leyenda

Cosas que han quedado atras

Luna

2011-12-28T17:27:00.002-03:00

Hace una semana mi perra Luna se fue a la luna.
Desde chica me fascinaba un cuento que tenia una luna dibujada con cara y ojos y nariz y un trencito que le pasaba por la cabeza.
Estuvimos juntas 14 lunas. No se contar las lunas por anio.
En la perrera mi hija Juana eligio a la mas negrita, era ella.
Malena era la que mas la cuidaba, miraba con detalle.
Vivia afuera en la calle, dormia en el patio.
La lunita blanca abajo del cuello es una marca de muchos perros negros.
Miraba distinto o me miraba distinto. Reconozco su mirada en la foto.

Cuando me olvidaba de darle de comer cazaba palomas. Era fuerte y alegre.

Demasiados momentos juntas.
Hace calor y la extrano.

ducha de verano

2011-12-26T22:10:00.004-03:00

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Storyboard de la escena de la ducha de Psicosis por Saul Bass.
Ragalo para Cupetinte por todo lo compartido!!!!

Atenti che gracias!!!!

2011-12-26T01:01:00.001-03:00

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En menos de 10 minutos llego mi seguidor 69 !!!! creo que ahora el 2012 empieza como debe. Gracias Atenti che!!!

Busco el seguidor del blog numero 69 antes del 2012!!!

2011-12-26T00:38:00.000-03:00

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Anotate como seguidor del blog siguiendo los pasos que figuran en la pagina y convertite en el seguidor numero 69 antes del 2012!!

Soy una empleada publica

2011-12-22T23:49:00.001-03:00

....y Ariane Mnouchkine me lo recuerda ( ah! y felices fiestas):

Cartoucherie, miercoles 28 de abril 2004, 8.45 horas

Cuales son las leyes del Theatre du Soleil que usted evoca permanentemente?

Ariane Mnouchkine:

Recordar siempre que utilizamos dinero Publico y respetar ese dinero publico. Eso no quiere decir solamente evitar el despilafarro, apagar las luces, etcétera. Desgraciadamente hay que repetirlo dia tras dia. No existen muchas instituciones que reciban dinero del Estado cada anio, con los que pagan salario a muchos obreros y artistas sobre doce menses de trabajo. Incluso si no nos alcanza – no nos han aumentado desde el 2000 todo esto viene del tesoro publico, del dinero publico, por lo tanto de ciudadanos, muchos de los cuales no van JAMAS al teatro. Entonces si un asalariado del arte, yo o cualquier otra/o , llega tarde, o no trabaja suficiente o no tiene autocritica es a costa de la “comunidad nacional”. Pensar en eso , pensarlo

con sinceridad, conlleva a exigencias.

Manteniendose vivo

2011-12-19T10:33:00.002-03:00

Añadir leyenda

La obra de Teatro Documental con Angel Romero vendedor ambulante comienza a dar vueltas a partir de ahora. Una hora y media arriba de un colectivo recorriendo una ciudad y una vida.

rabbityo

2011-12-15T23:41:00.000-03:00

Soy una empleada publica

2011-12-14T16:33:00.000-03:00

....y Ariane Mnouchkine me lo recuerda:

Cartoucherie, miercoles 28 de abril 2004, 8.45 horas

Cualesson las leyes del Theatre du Soleil que usted evoca permanentemente?

Ariane Mnouchkine:
Recordar siempre que utilizamos dinero Publico y respetar esedinero publico. Eso no quiere decir solamente evitar el despilafarro, apagarlas luces, etcétera. Desgraciadamente hay que repetirlo dia tras dia. No existen muchas instituciones que reciban dinero del Estado cada anio, conlos que pagan salario a muchos obreros y artistas sobre doce menses de trabajo.Incluso si no nos alcanza – no nos han aumentado desde el 2000 todo esto vienedel tesoro publico, del dinero publico, por lo tanto de ciudadanos, muchos delos cuales no van JAMAS al teatro.Entonces si un asalariado del arte, yo o cualquier otra/o , llega tarde, o notrabaja suficiente o no tiene autocritica es a costa de la “comunidad nacional”. Pensar en eso ,pensarlo
con sinceridad, conlleva a exigencias.

Ultimos dia de clase 1986, ultimos dias del 2011, se larga

2011-12-13T22:38:00.002-03:00

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10 maneras de hacer danza independiente y no morir en el intento

2011-12-11T00:00:00.001-03:00

El lunes 5 y el martes 6 de diciembre participamos del 2do Encuentro de Investigadores en Danza en una exposicion sobre el trabajo realizado en Teatro Documental desde el 2006 en la ciudad de Bahia Blanca. Pude participar de varias exposiciones orales de trabajos sobre danza e investigacion realizados en diferentes circuitos y ademas un del taller de la francesa Marie Bardet "Que hace la filosofia a la danza y viceversa" muy interesante.

Intalacion de obra de Julia Sbriller y Luciana Lima

El momento alto del Encuentro fue en la mesa de Prodanza coordinada por las directoras Valeria Kovadloff y Silvina Pritz a la cabeza . Los temas fueron La escena de la danza independiente en la Ciudad de Buenos Aires y la muestra de videos en torno al estudio de diagnostico sobre la investigacion cualitativa exploratoria sobre el momento critico de cambio que se expresaba en el creciente nivel de institucionalizacion educativa, la multiplicidad de propuestas artisticas, en el visible crecimiento del publico y el aumento del volumen de los subsidios.

Elijo 10 puntos del diagnostico del 2010 realizado por Prodanza que aplico en espejo a la experiencia que tuve y tengo como bailarina, docente y coreografa en la ciudad de Bahia Blanca:

1-” Los valores que se identifican como comunes a todos los que se aventuran sobre la experiencia independiente son la pasión, la perseverancia y la versatilidad, las ansias y el deseo por la creacion artistica despierta sensaciones de admiracion y valoracion sobre sí mismos y en los colegas".

2-Al preguntar por las razones atribuidas para que la danza se constituya como un medio tan poco organizado, con bajos lazos de solidaridad y participacion,aparece una problematica atribuida a la naturaleza de la disciplina, la formacion de los artistas( la nocion que la formacion del bailarin incentiva el individualismo y el narcisismo es compartida por casi todos) y las relaciones que se propician entre ellos, demasiado personales. " Tenemos que dejar de ser tan personales y buscar qué es lo que tenemos en comun, no las diferencias".

3- " La percepción de la escena de la danza como un espacio cerrado sobre si mismo, ensimismado y autoreferencial, un guetto, endogámico ”, “

4-"Hoy la escena demanda mayor reflexión y esto constituye una tendencia y eso está bueno"

5- Para los entrevistados, la crítica ejerce un papel mediador entre la obra y el publico, generando visibilidad y configurando un mapa desde el cual apreciar, formar el gusto e ingresar en le codigo y el lenguaje de un campo artístico.

El lugar de la crítica es central para la documentacion y el acopio de registros , operando como testimonio de lo " que queda es la critica".

6- Rea Volij dice "Los bailarines son bastantes burgueses"

7- " desacople entre recursos , expectativas y ambiciones . Las estructuras estan desbordadas Hay que tener un plan cultural estrategico". Margarita Bali

8-. Unánimemente se describe que el público de la danza es la propia escena de la danza: es un publico muy acotado, o estás mirando o estás bailando" “la danza se muerde la cola".

9- Entre los entrevistados se comparte la idea de que el modelo de asignacion de los subsidios esta en crisis."

10- " lo que falta es debate, bancarse discusiones y seguir trabajando juntos, esa es un experiencia que no existe en el terreno de la danza".

Yo agrego el punto 11: Hacemos danza, hacemos obras , hacemos proyectos, hagamos reuniones, hagamos preguntas, hagamos un sindicato, hagamos grupo para hacer.

Cambios en el 2012

2011-12-03T09:30:00.001-03:00

Asi como los colores y sonidos saben unos a otros , los odios saben a amores, y las cosas abstractas a las concretas, y las concretas a las abstractas. Fernando Pessoa

Los tipos que van al cielo no creen en el.....

2011-11-30T08:29:00.001-03:00

Murió Osvaldo Ceci, ferroviario, militante político, vecino de Ingeniero White, amigo fundamental.
Siempre lo observaba detenidamente porque habia algo que fascinaba a todos y era su nitidez, se veia mas que otros, de lejos, de cerca o en el recuerdo.

Nicolas Testoni con Ana Miravalles dicen:
La tarde del domingo 28 de octubre de 2007, día de elecciones presidenciales, nos cruzamos con el Colorado en el camino entre White y Bahía. El candidato a senador provincial iba montado en su bicicleta.

Osvaldo Ceci, 28/10/2007 from Ferrowhite on Vimeo.

http://lasruinasdebahiablanca.blogspot.com/

Qué hace un ferroviario bailando Bolero de Ravel frente a 50 personas?

2011-11-28T09:23:00.001-03:00

Porque en el cuerpo esta alojada al historia, no solo como condicionamiento sino como posibilidad de cambio.

Pedro Caballero fue ferroviario, pero no solo ferroviario.

Y en esa danza que tiene varios espacios vemos las medidas de la fosa en la que trabajó toda su vida y vemos un cuerpo que danza para generar intensidades nuevas cada vez que siente la música de Ravel .

Como dice Jerome Bel (me gustó mucho, se nota, su nota en DCO):

"no me interesa la estructura de la danza, sino qué significa el sujeto que se hace a sí mismo en esa danza, cuáles son las consecuencias de ese devenir."

Pedro Caballero fue mecánico en el Galpón de Locomotoras de Ingeniero White y en los Talleres Maldonado. Protagonizó en 2008 / 2009 la obra de teatro documental "Archivo Caballero" que realizamos en Ferrowhite, museo taller ubicado en el puerto de Ingeniero White (Bahía Blanca, Argentina), en el marco del proyecto Archivo White.

Video de Nicolás Testoni, producción y concepto de Nicolás Testoni, Natalia Martirena y Marcelo Díaz.

Concepto danza

2011-11-26T23:34:00.001-03:00

Acá va fragmento de la nota de Jerome Bel en la revista DCO que me parece contundente, define una manera de hacer danza que dan ganas de hacer danza.

"...no importa que trabaje con bailarines virtuosos o con amateurs, no importa si estos tiene escritura* o no ,lo que me interesa es saber que mueve la persona y que produce el fenomeno de la presencia. Lo que a mi me interesa como creador y en la danza son las ideas: cuando la gente produce solo escritura coreografica generalmente produce pocas ideas...".

*cuando habla de escritura se refiere a una formacion academica (danza clasica, contemporanea, folklorica, etc,,,,) traducida en secuencias de movimiento.

Ayer en Buenos Aires fui a ver la obra "Arrsstra un cuerpo sonoro" de la perfomer Liliana Tasso al Celcit en el ciclo 2011 que presenta Cocoa, ella baila y los sonidos que se escuchan salen del contacto que tiene con un cubo sobre el que baila junto a un musico que interviene ese material con la compu, tambien hay diferentes textos filosoficos en off que dan letra a la obra y termina con una comunicacion via Skype desde una escuela de danza de Moron( uno duda si es verdad o no ) donde docentes y alumnos analizan lo que les pasa al verla, tres planos a la vez que desubican la lectura de una manera muy interesante, colocando a la danza y a su eterna traduccion en jaque. Fue una buena experiencia.

Veronique Dosneau y Jerome Bel

This is the end

2011-11-19T19:43:00.003-03:00

No es el final, en realidad es el principio.

Un aplauso por el final

2011-11-18T08:36:00.007-03:00

Taxi Driver de Martin Scorsese(1976)

Las cosas no son difíciles de hacer, lo difícil es colocarnos en estado de hacerlas. Contastin Brancusi

Autocritica bahiense

2011-11-13T16:04:00.001-03:00

Foto Maurizio Cattelan

NO me imagino pensar Personas en Loop fuera de Bahia Blanca ,en otras condiciones y en otro momento. A partir del estreno con las criticas y elogios (que tomo con ganas y detalle) se pueden armar miles de obras con finales distintos, es una etapa que se abre en red . A partir de esa red se ponen en juego las concepciones y formas de relacion con el mundo de todos nosotros dejando a la vista y en cuero el nivel de ejercicio de evaluación de las prácticas artisticas* de sus integrantes: directivos y equipo de coordinacion( al cual pertenezco) de las Escuelas de arte, docentes , egresados y futuros egresados, espectadores en general que ejercitamos o NO la critica argumentativa con su funcion y obligaciones.

Aca va fragmento de Jorge Dubatti que amplia la idea:

“

Foto Maurizio Cattelan

COORDENADAS PARA LA VALORACIÓN CRÍTICA.
ARGUMENTACIÓN
El trabajo con la objetividad de los valores exige una crítica con fundamentos, una crítica argumentativa, y especialmente una crítica con autocrítica (acaso el más grave problema del ejercicio de la crítica teatral argentina esté allí: es su carencia de autocrítica). Una crítica con capacidad de encontrar valores donde nadie los ve.

LA POÉTICA TEATRAL EN MARCOS AXIOLÓGICOS: CRITERIOS DE VALORACIÓN
con alumnos universitarios, en la tarea de evaluador (académico y de jurado) me ha sido muy útil elaborar un conjunto de coordenadas, ejes o criterios (una “escala de valores”), según palabras del maestro LuisOrdaz con los que producir mi discurso a la hora de analizar e incluso evaluar (en un concurso, por ejemplo) las obras ante las que me enfrento.

Los diez criterios que planteo para el análisis y la evaluación de espectáculos teatrales incluyen la adecuación a la poética; lo técnico; la relevancia simbólica; la relevancia histórica; lo ideológico; la relevancia poética; lo genético; el grado de estimulación; la recursividad y la teatralidad.

Foto Maurizio Cattelan
Las coordenadas me permiten desplegar en mí mismo a mi propio maestro, que me vigila y cuestiona:
¿estás leyendo bien?,

¿son pertinentes tus observaciones?,

¿trabajaste el eje de adecuación?,

¿o acaso tu visión –positiva, negativa– proviene de estímulos externos al espectáculo evaluado? Atiendo con cuidado las observaciones de mi desdoblamiento en mi voz autocrítica. Y dialogo argumentativamente con ella.

Una de las funciones del crítico teatral consiste en reflexionar sobre la problematicidad del buen teatro y el mal teatro. Y más allá de lo antipático que esto suena, no sólo los críticos sino los mismos artistas y los espectadores están todo el tiempo produciendo juicios de valor sobre buen teatro y mal teatro. Especialmente los espectadores cumplen hoy una función esencial en el desarrollo y la difusión del teatro y en la producción de pensamiento crítico.

De la misma manera, la caracterización del buen teatro y el mal teatro forma parte del ejercicio de evaluación de las prácticas artisticas*, ya sea en la calificación de una tesina de práctica artística o en la supervisión de una puesta en escena o incluso en la discusión con docentes y alumnos sobre las producciones del campo teatral.

Ahora bien: García Morente afirma que hay una “objetividad” de los valores, que éstos no responden a mero ejercicio caprichoso de la subjetividad.

Dubatti es historiador, crítico y docente universitario especializado en teatro. Es doctor (Área de Historia y Teoría de las Artes) por la Universidad de Buenos Aires (UBA). Se desempeña como profesor adjunto regular de la cátedra Historia del Teatro Universal en la carrera de Artes de la UBA y profesor titular de materias de historia y teoría teatral en las Universidades Nacionales de Rosario y San Martín.
Coordina, desde 2001, la Escuela de Espectadores de Buenos Aires y el Área de Artes Escénicas en el Centro Cultural de la Cooperación. Es fundador y director del Centro de Investigación en Historia y Teoría Teatral que funciona en el Área de Historia y Teoría Teatral del Centro Cultural Ricardo Rojas de la UBA. Pionero de la teoría y metodología del Teatro Comparado, promovió la creación de la Asociación Argentina de Teatro Comparado en 2001, y fue su primer presidente en el período 2001-2003. Desde 1995 preside las Jornadas Nacionales de Teatro Comparado y desde
2004 el Congreso Argentino de Historia del Teatro Universal, de realización anual.

Maurizio Cattelan nació en Padua, Italia en 1960. Realiza instalaciones escultóricas en los museos y galerías mas importantes del mundo.

Leila es una chica Loop

2011-11-11T09:36:00.001-03:00

A Leila Vecslir la conoci arriba de un escenario cantando a toda voz y después leyendo poemas. Un poco más tarde cara a cara empezamos a compartir lugares y el gusto por Patti Smith. Ahora se toma el tiempo para escribir sobre Personas en Loop, una forma de reflexionar sobre qué pasa después de lo que pasa. Todos tenemos nuestra version.

La de ella dice :

"Personasen loop es erótico, es ruta, es agua, es monte, es el último tren a Londres, esmarginal y aristocrático, es fiesta, monólogo, canción.

Es exquisitamentearriesgado y logrado: el dominio del escenario no sesustenta en la demostración técnica sino en una auténtica investigación de lasposibilidades del cuerpo y el movimiento. Personas en loop desafía todos loslímites, socava las fronteras entre la danza, la música y el texto convirtuosismo. Es tan provocativo y desafiante como cada uno de las personas queintegra el Laboratorio de Artes del Movimiento"

Leila Vecslir, Bahía Blanca (1979). Socióloga (UBA);Docente e investigadora (UNS) y docente del Seminario de Metodologías de la investigación(Postítulo Escuela de Teatro de Bahía Blanca). Publicó Baila esqueleto(Fondo Editorial Otras Voces, 2005). Es vocalista en Paris Texas(www.myspace.com/paristexasrockon).

Secretos de un estreno

2011-11-08T08:20:00.003-03:00

Antes de un estreno hay muchos hilos que buscan hacer nudo y no quedan dudas que hay un monton de cosas mas interesantes que la obra pero nuestra obra es un modo de ver las cosas. Personas en Loop es un experimento para comprender el mundo de nuestra propia manera.
Me encanta que en el proceso se mezclen spots publicitarios, Pina Baush o fragmentos de algo que ya existe. La obra se juega en todo eso.
Entonces el deseo ya no es secreto.

Personas en Loop es atravesar un pais

2011-11-03T23:24:00.000-03:00

Foto, Analisa prepara el terreno.

La cuenta regresiva al estreno de Personas en Loop , limpiar y ver los restos, acumular adrenalina, trabajo, muchos ensayos adentro de cada ensayo. Una etapa que me toma por completa. Veo gente que nunca habia visto..... pero que siempre veo......
Como dice la coreografa Marie Chouinard" Una obra empieza y luego siento que existe. Es como llegar a un país desconocido. Estoy en un nuevo territorio, escucho un idioma que todavía no comprendo y tengo que descifrarlo. Veo gente que nunca había visto, una montaña… Tengo que atravesar ese país y encontrar una joya"

actriz invitada en Personas en LOOP

2011-10-31T23:04:00.000-03:00

Teatro Municipal
PERSONAS EN LOOP
Miercoles 9 de noviembre 2130 hs

Las chicas hacen publicidad de PERSONAS en LOOP

2011-10-30T16:01:00.001-03:00

Estreno
9 de Noviembre a las 2130hs
Teatro Municipal
Personas en Loop

Gancho derecho

2011-10-27T15:40:00.001-03:00

A punto de estrenar Personas en Loop , las ideas y las neuronas en movimiento.

Estreno
9 de Noviembre a las 2130hs
Teatro Municipal
Personas en Loop

LLEGO EL MOMENTO QUE TODOS ESPERAMOS

2011-10-26T08:45:00.000-03:00

Estreno de PERSONAS EN LOOP
9 de noviembre
2130HS
Teatro Municipal

Añadir leyenda

Proximamente

2011-10-25T09:24:00.000-03:00

En noviembre en el Teatro Municipal, LAM (Laboratorio de Artes del Movimiento) presenta
PERSONAS EN LOOP. En breve más información.

Próximamente PERSONAS EN LOOP

2011-10-24T23:20:00.000-03:00

En noviembre en el Teatro Municipal, LAM (Laboratorio de Artes del Movimiento) presenta
PERSONAS EN LOOP. En breve más información.

Jonathan Burrows otra cosa y a la vez

2011-10-23T10:57:00.000-03:00

Jonathan Burrows genera una danza que me parece indispensable, urgente y necesaria.

Otra cosa y a la vez es que me gusta mucho.

The Stop Quartet - Jonathan Burrows .1996

Tim Etchells

2011-10-23T10:32:00.001-03:00

Irvin Penn I love you

2011-10-22T10:19:00.000-03:00

Galeria de arte impuro XXII: No lejos

2011-10-19T08:22:00.001-03:00

tatarabuela, bisabuela, abuela, mama, yo y mis hijas

2011-10-16T00:26:00.002-03:00

Feliz dia a esta cadena de mujeres que ubican en mis celulas varias opciones!!!

Método / Epistemología

2011-10-08T21:54:00.001-03:00

Salieron dos nuevos números de la revista mexicana de danza contemporánea DCO, salieron a la vez, porque uno completa al otro, como dos caras de una misma moneda. Entre los artículos de Mats Ek, Jérôme Bel, Noemí Lapzeson, Eugenio Barba, Nacho Duato, Solange Lebourges y otras bestias semejantes que admiro, filtré como de contrabando un artículo (que escribí con la colaboración de Marcelo Díaz), sobre el cuerpo en el teatro documental. Acá un fragmento y abajo los índices, por si a alguien le interesa conseguir ambos números:

El cuerpo fue mi aliado para creer y crecer en este proyecto. El cuerpo moldeado por el trabajo, movido por el deseo: Pedro Caballero se mueve con el Bolero de Ravel al comienzo de Archivo Caballero, su cuerpo entre los compases repetitivos (esta música me transporta, le dirá al público, y le contará todas las veces que fue a ver ballet al teatro o al parque, cada vez que Ravel estaba en el programa). Pedro Caballero trabajó durante años en la fosa en la que se reparaban las locomotoras, también metiéndose dentro de pequeños compartimentos de la máquina para ajustar o aflojar tal o cual tuerca. No recuerda en voz alta cómo era estar oculto horas dentro de una zanja arreglando una bomba de vacío, pero su cuerpo sí lo recuerda, la simetría tensa de sus brazos levantados, el vaivén apenas perceptible de sus pies, la mirada al techo en cada pausa, un giro apretado en un espacio reducido, el movimiento repetitivo, contenido. Sin necesidad de hacer grandes desplazamientos, Pedro Caballero desplaza intensidades, sentidos, en su cuerpo. Alguien pregunta ¿qué hace un ferroviario jubilado bailando Ravel frente a cincuenta personas? La respuesta podría ser: pone al público en un aprieto: o éste queda capturado en el prejuicio (un ferroviario jubilado no puede bailar Ravel) o depone la mirada y acepta que el movimiento de Pedro Caballero lo toque y a su vez lo mueva internamente. Pedro dice: Yo nunca bailé, y ahora bailo. ¿Qué podemos decir nosotros?

fragmento de Contra ser dicho: decir(se). Natalia Martirena

DCO 13. Método
Índice
Editorial
-Método (o el privilegio de escuchar a las sirenas). Javier Contreras Villaseñor.
-Problemas para un método. Rubén Ortiz.
-Una antena y un faro. Helena Katz.
-Crítica, método y cuerpo. Analía Melgar.
-La danza es un universo. Philippe Baudelot.
-Más allá del camino. Mirta Blostein.
-El viaje como método. Annabel Guérédrat.
-El método es hacer. María Fux.
-La utopía (aún) posible. Gustavo Emilio Rosales.
-La Luna y el susurro. Verónica Falconi / Carolina Vásconez.
-Todos somos Sísifo. Gonzalo Hernández Sanjorge.
-La videodanza es a la danza lo que la teoría queer es a la filosofía política. Marianna Garcés.
-Obtuso, huidizo, hojaldrado. Marisa Hernández.
-Contra ser dicho: decir(se). Natalia Martirena.
-Este espacio que (v)es. Marie-Josée Chartier.
-La danza es un proyecto preciso. Jérôme Bel.
-Lo que el talento no da, el método no presta. Héctor Zaraspe.
-Un bailarín se prepara. Patricia Hernández Esquivel.
-Soñar, hacer, disciplinarse. Nacho Duato.
-Método = Intuición + Herramientas. Sunny Savoy.
-Metódicamente. Solange Lebourges.

DCO 14. Epistemología
Índice
Editorial
-Del saber y del cuerpo. Gonzalo Hernández Sanjorge.
-La gran danza. Alberto Dallal.
-La accesibilidad del arte contemporáneo. La Ribot.
-La disciplina como conocimiento. Noemí Lapzeson.
-Ayakachtli y huehuetl. Martín Reynoso Mares.
-La milonga, a lo queer. Florencia Angilletta.
-Nueva escuela de danza. Ivonne Lujano Vilchis.
-La danza sabe. Sylvia Fernández Moliner.
-Epistemología en cuatro actos. Analía Melgar.
-Una mirada etnográfica. Ana Sabrina Mora.
-Bajo el signo de la fragmentación. Gabriel Weisz Carrington.
-¿Qué es la danza? Mats Ek.
-Habemus danza. Gustavo Emilio Rosales.
-En un hilo. Solange Lebourges.
-Las enseñanzas del Desorden. Eugenio Barba.
-Morir en escena. Ko Murobushi.
-Imaginación, deseo y dolor. Carlotta Ikeda.
-La danza y su cuerpo. Ushio Amagatsu.
-La fe del performer. Katsura Kan.
-Carne conciencia. Anne Laure Guichard.

Galeria de arte impuro XXI:Poster ruso sobre la seguridad en el trabajo. Principio SXX

2011-10-05T09:12:00.007-03:00

Gracias Cupe!

"No hay tecnología más fabulosa que las personas, su cerebro, sus manos, su cuerpo, sus relaciones"

2011-10-02T01:18:00.019-03:00

Gerardo Litvak es coreografo y docente en pedagogía de la composición que nos viene visitando desde 2009 para dar seminarios a docentes en un ciclo que se viene desarrollando en la Carrera de contemporaneo de la Escuela de danza de Bahia Blanca y que sigue en el 2012.

Con su voz grave de actor de cine que se fumo 20 habanos cubanos un rato antes comienza la charla:

-“ Esa idea como la materializás?”

-Silencio….. y las dudas de uno son las dudas de todos.

Lo que se pone a prueba no es sólo un saber personal sino un saber colectivo. Una teoría en construcción que se pone a la vista de una determinada comunidad artística( la Institucion) que se reúne para que algo suceda.

Encuentro un gran placer de que la cosa sea entre varios y que las cuestiones planteadas se tensen entre el surgimiento de nuevas formas asociadas con las antiguas. La colaboración de todos en la creación de un espacio de reflexión es lo que realmente me interesa, nos interesa.

La composición en danza tiene la compleja tarea de generar reflexión in situ, es un saber de origen empírico que requiere de un entrenamiento complejo para poder captar lo que esta sucediendo a una velocidad mucho mas rápida que nuestra aparente capacidad de comprensión. Por suerte la presencia de Gerardo Litvak que con extrema claridad aprieta el stop o la pausa para poder recortar un momento que pasó delante de nuestros ojos sin darnos cuenta y ver de que esta hecho y ver que destino le vamos a dar. Un proceso de conceptualización con espiritu de hormiga que sucede antes, durante y después de comenzar a movernos.

Años, meses, días y horas de bailar no alcanzan para reconocer las leyes de cada creación y por eso una pedagogía que nos lleva años, meses, días y horas con un entrenamiento concreto sobre "que miramos cuando miramos" que se pone en marcha en las conversaciones con Gerardo.

y como dice Roberto Jacoby“El deseo de lo posible solo se puede constituir en el derrumbe de lo existente. Los procesos se tornan revolucionarios precisamente cuando se descubre que lo inmediado está fundado en lo posible, no en lo necesario” .

Mi mundo equivocado

2011-09-27T08:28:00.013-03:00

El artista suizo Ursus Wehrli construye un "mundo equivocado" que resulta cercano, pero mas cercano a " un antes y el despues " de las mujeres con cirugias que a las gondolas de supermercado o que a todas las filas que he hecho en mi vida. La potencia esta en ese recorte indivisible de " un antes y de un despues" que producen juntos un nuevo orden pero no un orden de ordenado( que es lo primero que se percibe) sino un orden que se nutre de otro mundo y que no puede existir sin ese fantasma. En ese trayecto que empieza por priorizar y clasificar por partes se delatan los flujos que hacen intercambio y que no vemos por costumbre. Un intento de descubrir una nueva logica para la transformacion del mundo. Revolution!!!!Revolution!!!!!

Lo relaciono con el Taller de Pablo Ramirez de Procesos Creativos ,

también con unos supositorios que compre en un viaje y que dicen que son buenisimos para el dolor de garganta pero que no me animo a usar y con mi abuela que cuando hace la torta de manzana divide los condimentos por orden de momento, con un reloj personal que termina en un gusto indescriptible.

Gracias Jorge S por pasarme el link !!!!!!

Galeria de arte impuro XX: Trabajo en proceso, sentir y pensar a la vez.

2011-09-26T07:55:00.009-03:00

Hoy trabajamos en LAM como precalentamiento: Gravedad, antigravedad y suspensi'on. Primer ejercicio, el diafragma ayuda a localizar la gravedad en la esfera del torso, eleva costillas por delante y homoplato por detras mientras sube el brazo, tosemos para sentirlo metiendo el dedo debajo de la caja toraxica.
Sentir el peso en el brazo y en el pensamiento a la vez.
Luego ensayo de Personas en Loop.
Etapa de cuestionamiento. Se caen ideas.
Vamos por buen camino porque no conozco otro.

El deseo nace del derrumbe

2011-09-22T20:19:00.008-03:00

Fragmento de la nota que salió el 20 de febrero de 2011 en Radar/Página 12(nota completa clikear, vale la pena)
Retrato de Artista invisible por Roberto Piglia sobre la obra de Roberto Jacoby.
Después de una semana ruidosa y compleja no me tomo un café me releo un Jacoby!

"El artista es un creador de formas. En esa tradición se reconocieron Baudelaire, Mallarmé, Raymond Roussell, Borges, el grupo Oulipo. Del mismo modo, la experiencia de Jacoby es la de un artista que construye no sólo obras, sino modos de hacer obras. El arte es una potencialidad abierta, disponible, un campo magnético de proyectos programáticos que cualquiera puede activar. Jacoby, como sabemos, inventa estilos, procedimientos, conceptos creativos, los usa y los abandona para buscar nuevas formas y nuevas relaciones. La renovación constante, la revolución permanente, es parte de su trabajo artístico y político contra la inercia, la repetición, la burocracia estética de lo siempre igual. Por eso, sus cambios frecuentes de registro (escritura, imágenes, investigación, teoría, música, teatro, performances, instalaciones): la renovación de los lenguajes es una de sus marcas como artista."

yuxtaposicion

2011-09-21T12:51:00.013-03:00

La primavera de la danza es Ivonne Rainer !!!!
En este fragmento genial hay algunas respuestas sobre la danza, la historia y el amor.
Dedicado a Alejandra Ponte.

Cafe concert hace tiempo.....

2011-09-18T22:56:00.019-03:00

En el 88 participe en un espectaculo de cafe concert con Edda Diaz y cobre mi primer buen sueldo, nos escapabamos de las clases y nos poniamos pelucas, vinchas y latigos. Era una experiencia casi indescriptible. Me acuerdo que ella me decia:" flaquita enloqueceme la jaula" y con intentos poco ortodoxos lo intentaba, un pasito de Graham descaderado con un poquito de Cunningham acelerado a mil y otros condimentos de cosecha propia respondian al pedido.

Una mezcla poco comoda pero con olor a vivo.

Siempre me gusto el formato cabaret y cafe concert aunque reconozco que el intento fue muy poco berlines.

Encuentro una polenta que me sigue interesando y que nunca me cuestione si era arte menor o clase B .....Creo que ahi comienza mi debacle o mi resurreccion!!!

Atenti el look flashdance! gastadas bienvenidas.... ya me las hicieron todas!

Galeria de arte impuro XIX: Necesito antitesis- Mark Laita

2011-09-18T15:23:00.009-03:00

Cubetera

2011-09-16T23:36:00.013-03:00

Desmoldo la gelatina, hago una copia de la llaves de casa, compro un repuesto para el lavarropa y un beso.
Dos bocas en una.

Bahía Blanca arde

2011-09-11T22:42:00.019-03:00

Foto Orfeo y Euridice

Impresiones de un fin de semana. Bahía Blanca está que arde. No es por la sequía ni por las altas temperaturas (que todavía no llegaron), sino porque creativamente está en estado de ebullición. Al menos en danza contemporanea, que es lo que más conozco, pero me dicen que en plástica, en música, teatro, en literatura pasa algo parecido.

Concretamente: este sábado fui al MAC a ver MATE + una muestra coreográfica a cargo del Bed( Ballet de Contemporáneo de la Escuela de Danza) y Cuatro ICuarto , mientras en el mismo momento en la Escuela de Danza se presentaba Orfeo & Eurídice bajo la dirección de Felipe Hirschfeldt, Nicolás Saveanu y Alejandra Vallebona, un proyecto interinstitucional entre el Conservatorio y la Escuela de Danza. Son el emergente de un panorama más amplio y alentador, un panorama en el que varios grupos, algunos más nuevos, otros con más trayectoria, desarrollan simultáneamente búsquedas distintas, abriendo un juego en la ciudad que en su heterogeneidad es sin dudas enriquecedor. Desde la propuesta ya asentada de Cuatro ICuarto, con varios años de trabajo sobre su espaldas, a una intervención en un lugar específico como el Proyecto Terrazas, o desde una búsqueda experimental como la que se da sábado a sábado en las sesiones de improvisación en la Estación Sud (que mezcla música, contac, video, proyecciones, etc) a la formación y desarrollo de un nuevo grupo como Expreso Mudanza, se traza un mapa en el que también podríamos marcar al grupo Bicicleta, proyecto Fronteras, Pulsiones, las obras de Sebastian Perez Travieso(dos en cartel), los jams de Contac,LAM, los talleres de capacitación con docentes de distintas ciudades, etc.

Foto Encantada en el Mac

Una simultaneidad muy particular me hace pensar dónde compienza una obra, una obra que se viene gestando progresivamente desde hace más de 20 años pero que ahora explota en ramillete. Si una obra es lo que pasa antes, durante y después, puedo imaginarme que muy pronto algún nuevo grupo va a nacer después de ver o vivir alguna de éstas experiencias. Experiencias con nombre y apellido. Experiencias con mucho trabajo y deseo.

La danza es como Eurídice, intangible y efímera como una sombra. Pero al revés del mito de Orfeo, es necesario mirarla de frente y nombrarla, para que no se pierda.

Foto Cuatro ICuarto en el Mac

2011-09-09T21:01:00.014-03:00

La memoria nunca es pasado

Gracias Cupetinte for ever!

Galeria de arte impuro XVIII: Puntos de vista en cambio

2011-09-06T22:47:00.005-03:00

El mapa es lo que tengo que recorrer

2011-09-05T08:09:00.031-03:00

Pablo Ramirez sin guardarse nada y a pura maquina durante 10 horas en el taller de Procesos Creativos en Estacion Rosario nos convoca a crear distintos mapas: mapas escritos, mapas dibujados, textos como mapas, mapas con objetos y con cuerpos para desarticular, armar, desarmar, ver al otro, ver distintas logicas y evitar presupuestos en toda creacion (mi compu no tiene acento porque la tengo que reconfigurar, una falta que hoy cobra otro sentido).

El taller fue un planisferio, un mapa gigante. Ahora en casa con mi mapa en la mano veo el "hueco" que dejaron los otros mapas. "Lo que hay" y "lo que no hay" impacta con una fuerza que parecia estar perdida.

Nos dice "martillar la obra como un herrero" y cada pregunta que hacia iba en ese sentido, eran martillazos directos: a quien le importa? que queres decir? que tenes ganas de hacer?
Martillazos deseantes,

Recuerdo una frase familiar repetida: " el mejor violinista es el que no toca".
No quiero ser la mejor violinista, quiero tocar, tocar y tocar a los otros de alguna forma y si el problema del arte es el problema de la forma, tocar es mucho mas que eso.

Gracias Pablo y gracias al grupo!

A punto de reventar

2011-09-02T18:29:00.003-03:00

Se puede reventar despues de comer, de hacer muchas cosas a la vez, de enojo, de orgullo....pero en este momento me estoy preparando para reventar el fin de semana con 10 hs seguidas de taller , tenia posiblidad de hacerlo en Buenos Aires pero queria hacerlo aca entre otros bahienses y me pone contenta.
Buena Natalia!!! me lo merezco.

Una teta y una silla

2011-08-25T23:05:00.005-03:00

Cuando tenia 9 mis padres me llevaron al Teatro San Martin de Buenos Aires al estreno de Cafe Muller y La Consagracion de la Primavera, no habia lugar y nos sentamos en las escaleras de alfombra.
Yo estaba cursando clasico en la Escuela De Danza y nada en mi cabeza era mas importante que tutus y puntas. Cuando estaba mirando la obra La Consagracion de la Primavera a la bailarina protagonista se le cae un bretel y se queda con una teta afuera y luego la otra, yo miro a mi papa con una cara tal que me dice: "es asi" y me toca la pierna con dos palmaditas (me acuerdo bien cuando me toca la pierna,,,,,) luego me pase 30 minutos en Cafe Muller mirando como se golpeaba contra una sillas una bailarina hermosa, para mi era imposible asimilar todo eso. Durante el resto de mi vida me la pase recordando esos momentos, digiriendolos en camara lenta, teta, silla, teta, silla, un giro, un jete, una teta, una grand ecart y una silla, un fouette y una teta, un port de bras y una teta, una coronita y un plie y una silla, un tour con teta y silla.
Una teta y una silla que ahora son otra cosa pero te siguen de cerca para siempre y no creo que haya bailarin que no le pase lo mismo.
Por ella este homenaje. \

Un proceso creativo que se hace preguntas

2011-08-21T15:01:00.007-03:00

Subo fragmento de uno de los textos que nos pide leer Pablo Ramirez para el encuentro de Proceso Creativos.
Un proceso creativo que se hace preguntas en un tiempo, lugar, deseos e ideas.....

Aca va fragmento "Sobre lo nuevo" de Boris Groys, 2002 :

"Aunque la existencia material de una obra de arte individual está garantizada por un cierto periodo de tiempo, el estatus de esta obra de arte en tanto que obra de arte siempre depende del contexto de su presentación como parte de la colección del museo. Sin embargo, es extremadamente difícil –de hecho es imposible– estabilizar este contexto durante un periodo largo de tiempo. Esto, quizás, es la verdadera paradoja del museo: la colección del museo proporciona la preservación de los artefactos, pero la colección en sí siempre es extremadamente inestable, está cambiando constantemente. Coleccionar es un acontecimiento en el tiempo por excelencia –aunque sea un intento de escapar del tiempo. La exposición del museo cambia permanentemente: no sólo crece o progresa, sino que cambia en sí de muchas maneras. Por consiguiente, el marco para distinguir entre lo antiguo y lo nuevo y para atribuir a las cosas el estatus de una obra de arte, también está cambiando continuamente"

de esta edición: FUOC, 2002

Los Procesos Creativos

2011-08-17T00:20:00.002-03:00

Rana artes escénicas y la plataforma de acción cultural Estación Rosario invitan al Seminario sobre creación y producción artística

LOS PROCESOS CREATIVOS

a cargo de Pablo Ramírez

Consultas al 156488926 / Inscripción a nataliamartirena@gmail.com (es necesario inscribirse con anticipación debido a que hay material bibliográfico para llevar leído). Cupo limitado

Dirigido a artistas profesionales (bailarines, actores, directores, artistas visuales, músicos escritores, fotógrafos, etc.), estudiantes de disciplinas artísticas y humanísticas, público en general interesado en el desarrollo de los procesos creativos.

El seminario se propone estimular la creatividad, ampliar el campo asociativo, y trabajar conjuntamente sobre la práctica y la reflexión teórica del arte, mediante el abordaje de un proyecto personal y el análisis de materiales teóricos.

A lo largo del seminario, se reflexionará sobre diferentes nociones teóricas y estéticas: la traducción, los universos de autor, lo contemporáneo, la emancipación, la estructura, el disenso, el pensamiento crítico y los mecanismos de producción, entre otras.

Cada uno de los participantes trabajará sobre un proyecto artístico personal, cuyo proceso será debatido y comentado junto a los otros participantes. Abordaremos la construcción de mapas de trabajo a partir de diversos gérmenes y disparadores tanto conceptuales como sensoriales. Aplicaremos herramientas de creación adecuadas al universo de cada artista.

La propuesta es desplegar un espacio teórico/práctico de creación e investigación. Trabajar a partir de diversos disparadores (literarios, dramáticos, periodísticos, anécdotas, estructuras visuales y musicales) Fomentar el desarrollo creativo y la construcción de universos particulares. Producir y poner en funcionamiento un pensamiento crítico en el quehacer artístico. Ofrecer a los participantes la oportunidad de abordar su proceso desde una nueva perspectiva. Deconstruir y reflexionar sobre los aspectos que involucra un proceso creativo (evoluciones, inquietudes, trabas, deseos, problemas prácticos, etc...)

Pablo Ramírez, es actor, director, dramaturgo y docente. Es egresado de la Licenciatura en Actuación del Departamento de Arte Dramático del Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA). Se formó en dramaturgia en los talleres de Alejandro Tantanián, y en dirección con Emilio García Wehbi. Participó de los talleres de improvisación teatral dictados por Osqui Guzmán y Sucesos Argentinos. Formó parte de seminarios, teóricos y prácticos, dictados por Tim Etchells y Hans Thies Lehmann.

De sus últimos trabajos como actor se destacan:
Y NADA MAS de Alejandro Tantanián, Espacio Callejón 2007. EL MATADERO, Performance de Emilio García Wehbi, Espacio Callejón 2006. Teatro del Aire 2007. EL MATADERO.5 AULLIDO, Ciudad Cultural Konex 2008. HERNANI, Opera, BA Lírica, Teatro Avenida, 2007. LA BALSA DE LA MEDUSA, de Emilio García Wehbi, Teatro El Kafka 2005. EL BARBERO DE SEVILLA, Opera, BA Lírica, Teatro Avenida, 2004. MACBETH, Opera, BA Lírica, Teatro Avenida, 2004. PROYECTO IMPRO, Teatro, Piccolo Teatro, C. C. Sábato, Auditorio del Pilar, 1999 – 2001.

De sus últimos trabajos como director se destacan:
UNOS CONTRA OTROS, Teatro ENAD, 2001/2002. FABRICA INAUDITA DE SONIDOS, Espectáculo musical performativo, Espacio Ecléctico, 2007. LA TIERRA BALDIA. Teatro Silencio de Negras 2009. EN BUSCA DEL TIEMPO PERDIDO (Performance duracional), 2009. SI USTED CREE QUE ESTE TIEMPO ES MALO, ES PORQUE NO VIO LOS OTROS (Teatro) Sala Paysandú, 2010-2011. LA CONSTRUCCION DE LA MURALLA CHINA (Performance duracional) Espacio Temporal, Madrid, 2010.

De su trabajo como docente cabe destacar:
Análisis de Texto III (Docente Ayudante de la cátedra de Julia Elena Sagaseta. IUNA. 2008-2010) Seminario sobre Procesos Creativos (Dictado en talleres particulares durante el período 2007- 2011. y en formato intensivo en el Centro Cultural Recoleta, 2008, en la 24° Fiesta Provincial del Teatro en Jujuy, 2008 y en la Asociación Cultural La Bagatela de Madrid, 2010) Talleres particulares de Dirección y Puesta en Escena (Asistencia pedagógica a Emilio García Wehbi) 2007-2011. Actuación (1er y 2do nivel) Academia de Comedia Musical ARTISTAS 2006- 2005. Crítica Teatral Academia de Comedia Musical ARTISTAS 2006 2005. Talleres particulares de Improvisación Teatral Sala VERA ininterrumpidamente en el período 2001-2006.

Un modo de romper el teatro

2011-08-14T10:32:00.004-03:00

Un modo de “romper” el teatro
La compañía británica se formó en 1984 con la idea de generar espectáculos inusuales. Una de las obras que mostrarán aquí dura seis horas y está basada en un texto de dos mil preguntas; en la otra, los actores leen un guión y les dan vida a imágenes que se proyectan.

Por Paula Sabatés
Están juntos desde 1984, cuando les picó el bichito del teatro y decidieron formarse para explorar lo que la representación podía significar en la vida contemporánea. En esa búsqueda, los miembros de la compañía británica Forced Entertainment, que mañana se presenta por primera vez en la Argentina, se desnudaron en escena, se emborracharon, se hicieron los muertos y hasta actuaron durante 24 horas sin interrupción. Su teatro es de recorrido, de experimentación, y por eso, además de obras teatrales, trabajan con instalaciones, medios digitales y con el cine. Los Forced Entertainment (en español, “entretenimiento forzado”, por si quedaban dudas de sus intenciones rupturistas) se valen de ciertos mecanismos, presentes en la mayoría de sus espectáculos, para lograr un desbarajuste de la puesta tradicional. La actuación en vivo, es decir, el uso de la improvisación como recurso estrella, contribuye al debilitamiento de las convenciones, pero no sólo a las del teatro clásico propiamente dicho, sino de las del tipo de representación característico de fines del siglo XX y principios del siglo XXI. Así, los suyos son espectáculos fuera de lo común que le piden al público que vea de manera diferente.

En la Argentina, el grupo presentará los espectáculos Void Story y Quizoola! La primera es una obra donde los actores están sentados en mesas y pasan las hojas de un guión. Ellos impostan sus voces y, sumado con efectos de sonido, le dan vida a una serie de imágenes que se proyectan en el escenario, de manera que se crea un relato cinematográfico que parece real. La segunda, un espectáculo de seis horas de duración basado en un texto de 2000 preguntas. Durante esta obra, el público es libre de llegar, partir y volver a la sala en cualquier momento y los actores tienen permitido hacer nuevas preguntas, según el país donde se presenten y las circunstancias de cada representación. “Llegamos al teatro como un grupo de personas que en realidad tenía experiencia en la música, en las artes visuales y en el cine. Entonces empezamos a hacernos preguntas sobre qué era el teatro y cómo se podía comunicar con el público. Estábamos fascinados con el teatro pero ninguno le tenía ningún respeto especial, entonces decidimos sacudirlo para ver cómo lo podíamos romper. Y eso es lo que hacemos”, le cuenta a Página/12 Tim Etchells, director artístico de la compañía.

–¿Por qué decidieron hacer teatro experimental?

–Queríamos saber qué era lo que se le podía hacer al teatro de manera que fuera diferente a lo que estábamos acostumbrados a ver, a la manera clásica. Y queríamos encontrar alguna manera de transmitir, de una forma más real, más verdadera, las cosas que veíamos y vivíamos. Todo esto implicó no asumir nada previo respecto del teatro y así surgieron las propuestas.

–¿Cómo trabajan esa búsqueda?

–Hay dos estrategias. Una tiene que ver con llenar al teatro de tantas cosas hasta que explote. Es el caso de Quizoola!, que se relaciona con esta idea de lo excesivo. Dura seis horas y es agotadora porque es una experiencia muy larga que estira el tiempo. La otra estrategia es lo contrario, es pelar todo hasta que quede casi nada. Y eso se ve en Void Story, en la cual el mecanismo principal es una serie de imágenes proyectadas como una novela gráfica y dos actores sentados por delante de ella, haciendo las voces que les corresponden. Es impresionante cómo en escena no pasa nada más que eso, pero en la cabeza de los espectadores se suman las dos cosas y se arma una película que no existe.

–¿Y cómo responde el público a este nuevo modo de ver?

–Hay mucha gente que se agarra la cabeza y dice “no, esto no es actuar, esto no es teatro, ¿qué está pasando?”. Pero hay otro grupo que nos dice “gracias al cielo, detesto el teatro y esto es algo que sí puedo ver, que sí tiene que ver conmigo ahora y no con el tipo de representación característico de principio de siglo”.

–Han hecho obras que duran seis, doce y hasta veinticuatro horas. ¿A qué responde este mecanismo?

–A que el público pueda armar su propio viaje dentro de la obra, a que pueda elegir qué ver, a que pueda ir y venir cuando quiera. Normalmente las obras controlan mucho este viaje: llegás 8.30 y te vas a las 10. Pero, fundamentalmente, lo interesante de esto es que los actores se agotan muchísimo y entonces empiezan a tomar decisiones que no tomarían si tuvieran toda la energía. Se pueden ver cosas que de otro modo permanecerían escondidas, porque cuando los actores están muy despiertos muestran sus mejores trucos. El placer radica en ver que siguen ahí, aunque estén agotados. Y es curioso, porque si se trata de una obra de seis horas donde uno se puede ir cuando quiere, el público tiende a quedarse muchas de las seis horas; en cambio, si se tiene que quedar obligatoriamente, se quiere ir.

–¿Cómo manejan la improvisación, recurso que utilizan mucho en sus espectáculos?

–En general, funciona de dos maneras. O improvisamos en el espacio de ensayo y luego fijamos lo que se repite, o bien fijamos ciertas reglas y sobre eso se improvisa. También hay una tercera manera, que es la que se da en Void Story, en la cual armé los textos pero fui llevándolos al grupo y sobre las discusiones que se armaban, volví a escribirlos. De todos modos, en textos en los que hay algo fijado, como en Quizoola!, siempre se agregan más preguntas y cambiamos a quienes interpretan la pieza. Esto tiene que ver con usar a los actores que estén disponibles, pero también para preservar la dinámica de la obra, porque si siempre la hacemos con la misma combinación de actores, se achata.

–Después de tantos años, ¿pudieron responder la pregunta sobre cómo se puede “romper” el teatro?

–De alguna manera, cada una de las obras es una respuesta. Nos interesa explorar distintas facetas del teatro, entonces podemos hacer algo íntimo, una obra muy cálida, otra muy fría. Y entonces cada una de ellas no será una respuesta unívoca, pero sí una respuesta. Por eso nuestra idea es realizar un mapeo del territorio del teatro y de las cosas que se pueden hacer.

* Void Story se exhibirá mañana a las 18.30 y a las 22.30 en Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131. Quizoola! se verá el viernes a las 19 en La Carpintería, Jean Jaurès 858.

Galeria de arte impuro XVII:: Soy tema de tesis: Lo normativo y lo descriptivo

2011-08-11T13:54:00.014-03:00

El Mundo se hizo Barrio

2011-08-11T07:43:00.011-03:00

Camdem Town en Londres es un lugar mezcla de gente, culturas, cosas, objetos, con comidas de todos lados. Viven y conviven en aparente sintonia, igualmente sabemos que hacen resistencia a otra cosa que es pesada con olor a inmigrante y xenofovia, arman manada de especies y es genial. Armaron algo que no me resulta reconocible, ajeno,no se como es vivir en un lugar asi, Bahia Blanca es todo lo contrario, las cosas estan separadas y cuando aparece la mezcla no se lo ve directamente, es como si el ojo perdiera una oportunidad.
El otro dia escuchaba que decian" este flaco que hace aca, que sabe de lo artistico" sabe mucho pero de otra manera y justamente eso era lo interesante y era lo que nos sacaba de grupo cerrado y secta mental.
Una definicion de hibrido que me gusta: las partes se encuentran entre ellas en caracter de horizontalidad.

Una calle lluviosa, un guitarrista, un perro y una gorra.

2011-08-09T07:58:00.003-03:00

Renacida

2011-08-07T11:34:00.014-03:00

" Siempre he creido que la frase " eso el lo que habria deseado fulano de tal" es una de la cosas mas tontas que los vivos dicen de los muertos. Simplemente no hay modo de saberlo".Asi compienza el libro Renacida uno de los tres primeros volumenes de los diarios de Susan Sontag.
Un diario y un cementerio tienen cosas en comun, en el diario hay una voz que no puedo imaginar que ya no existe y en un cementerio hay una cantidad de nombres que no tienen nada que ver con la muerte ni con mi pensamiento casi diario de que me puedo morir en cualquier momento.
Un cementerio me hace viajar a otras profundidades, ni bien llego los recuerdos se llenan de silencio, de respeto casi meditado, de olor, de las ramas que salen entre las fisuras grises, de la arquitectura, de las flores y objetos , de las fotos viejas y los epitafios con textos de pura proximidad.
Te queremos por siempre! PAPA!
Todo eso junto se apreta y tironea en direcciones opuestas. Es como tener una orden interna que dice : "esto es triste" y a la vez otra orden como fuerza que me obliga a
Ser lucida= a ser activa, no querer ser " buena" es decir no querer ser querida por todos.

Cementerio South Queen Ferry South, Escocia/1840 a 1930 o un poco mas.

Ejemplo: Orquesta Escuela de Ing. White

2011-08-05T20:45:00.003-03:00

En Meracatunga! las vacaciones de invierno en Bahía Blanca se realizaron más de 60 actividades, entre ellas la Orquesta Escuela de Ing. White. Siempre escuché hablar elogiosamente de su actividad de lejos o de cerca, pero ver el video me conmueve y me confirma que hay gente que trabaja con tanta pasión y calidad de entrega que me pregunto cómo puedo replicar eso desde mis lugares de acción.

Felicitaciones!!!

Galeria de arte impuro XVII: La fe enfrascada- Piso 2

2011-08-05T13:24:00.010-03:00

El detalle

2011-08-04T07:20:00.016-03:00

Siempre me gustaron los techos para mirar los huecos que se ven desde arriba y entrar desde otro lugar a ese lugar. Mirar desde la ventana una ciudad desconocida es el mejor plan para empezar y me produce una sensacion de intimidad que no me sucede a nivel tierra. El dia que puedo mirar techos me pongo en otra frecuencia al instante, el angulo me hace sentir que espio (uno espia lo que le interesa) y esa sensacion de que me pueden descubrir o que algo puedo ver me cambian de dial (creo que el hecho de vivir desde los 5 a los 17 en edificios a desarrollado ese placer). Parecido a cuando nos poniamos boca arriba y dejabamos caer la cabeza en el borde de la cama para ver la boca como un animal o una agujero animado que emanaba sonidos.

Una cuestion de cambio de perspectiva( no hablo solo en terminos espaciales) te hace prestar atencion, ver detalles que te cuentan algo que no conocias. Esos detalles son esenciales para enamorarse, vivir, para hacer una obra.

Nadie mejor que Yoshi Oida( actor teatral de la Co inglesa de Peter Brook) para definir esto:

"cuando ensayamos un papel, es muy facil caracterizar a la persona en general, es decir, " es un optimista" o es " un poderoso". Pero c'omo podemos transmitir una descripcion?, lo que podemos hacer es buscar los disminutos detalles. En este momento alza la cabeza, sube la voz. Y a medida que se van acumulando los detalles aparece la impresion del individuo en cuestion.

Sin embargo , hay que tener cautela en una par de puntos. En primer lugar, hemos de asegurarnos de que hemos encontrado los detalles correctos. En segundo lugar, los movimientos de nuestro cuerpo y nuestra dinamica interna deben estar estrechamente conectados. Un afuera que es un adentro a la vez. Hemos de invertir mucho tiempo buscando el detalle " correcto"para cada momento y desarrollar una imaginacion rica y poderosa para capacitar a nuestro cuerpo a percibir de muchas maneras y no quedarse estancado en patrones estereotipados."

La practica de mirar techos es mi entrenamiento para luego animarme bajar.

No es un techo, es una calle con una curva doblada a punto de quebrar.

El techo del Tate MOdern

Galeria de arte impuro XV: Cabina fotografica

2011-07-28T15:26:00.009-03:00

Una hora de cola para que te saquen una foto con formato afiche, tu cara y un lunar en la frente. Era un cubo gigante lleno de lunares negros con fondo blanco, te metias adentro , corrias una cortinita de tela y un flash daba por terminada la cosa, ponias la cara que querias o podias y esperabas afuera hasta que en un momento caia desde una ranura (como una hoja de una fotocopiadora) desde una altura de 3 metros tu foto en blanco y negro. Era un ciclo sobre arte Indu en el Tate Modern London. Con el afiche en la mano uno se llevaba una pregunta: para que quiero mi cara en gigante con un lunar en la frente? sobre todo cuando miraba los ojos de la chica hindu (en el afiche gigante) con una intensidad que ninguno de los ladrones de lunares podiamos tener. Me quede un buen rato mirando otros afiches para confirmar la teoria de que ese lunar era profanado en secuencia, vacio y postizo.

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El error y yo, siempre nos encontramos sea donde sea.

2011-07-25T18:07:00.004-03:00

Galeria de arte impuro XIV: Vidrieras londinenses, un negocio que vende algo que no se compra.

2011-07-24T18:52:00.012-03:00

Galeria de arte impuro XIII: Ant, Juana, yo , Gilbert and George

2011-07-23T15:19:00.018-03:00

Fuimos con Juana a cenar al departamento de Ant Hampton a una zona de menos cara y de mezcla de culturas que hace descubrir un Londres mucho mas vital y real, ni bien pisamos su depto lleno de libros, postales pegadas en las paredes y muy empapadas de lluvia nos mostro mirando el reloj son las 19 hs miren!!!! y senala para abajo, ahi entran siempre a la misma hora en ese chiquito restaurant Manzal Gilbert and George!!!( dos miticos artistas londineses). Los veimos detras de unas plantas, su anecdota hizo que saque una foto en honor a la situacion graciosa e increible!, espiando algo que no podia ver tipo paparazzi. Recien cuando bajamos les vi la pelada a uno y el saco marron al otro.Tipo 20 hs comimos fideos con tomates hechos al horno y luego aplastados tipo salsa con un poco de vino y con un queso que dice que no hay en Argentina* muy rico pero yo creo que tenemos parecidos!. Charlamos un buen rato mientras se secaban mis medias arriba del horno. Nos contamos que va la cosa de cada uno, Ant esta preparando con su novia una obra con material de sonido y video en sincro para llevar a un festival y yo le contaba lo que hacemos en Estacion Rosario y todo las novedades bahienses con mucha ganas. Tiene idea de venir a Bahia pero ahi le pase la pelota a Marcelo Diaz para organizarlo. Terminamos de cenar a las 21 hs, nos dimos un abrazo y nos fuimos caminando y en cada rincon que recorrimos hasta llegar al Underground(subte) algo nos contaba con su mirada "de lo que hay lo que no hay", un dia nublado y calido con Juana mi hija que hablaba en ingles canchera y traducia lo que yo no podia traducir.Un buen rato cenando con toda la calidez de Ant mientras simultaneamente y en paralelo de Gilbert and George a unos 40 metros de distancia y 4 metros del suelo de altura en un mismo tiempo comiamos cerca pero no tanto porque para esa altura ya nos habiamos olvidado de la coincidencia.

El saco marron de Gilbert!!

Juana y Ant

Queso especial o no tanto,,,,,
Casa llena de ideas

Galeria de arte impuro XII: Tate modern london

2011-07-22T12:11:00.011-03:00

Galeria de arte impuro X: mil maneras de ser vacaciones

2011-07-13T20:58:00.009-03:00

Los declaro marido y mujer

2011-07-09T09:17:00.014-03:00

Fotos del ultimo ensayo de LAM

Catorce 14 horas sin parar con Gerardo Litvak(docente y coreografo de danza contemporanea) te deja fuera del ring, fuera de juego para mirar de afuera lo que haces de adentro, todo se amplifica: frases, ideas y dudas pero una frase fue la ganadora y me tomo por completa:" siempre es una cuestion de relaciones!!!!! " relaciones que no se comprenden en abstracto,por ejemplo: un beso intenso es fuerte en medio de un bar y suave en medio de las sabanas, pero me tengo que besar para comprenderlo, un color oscuro es claro al lado de otro , yo soy petisa al lado de Lucia Cantamutto , un minuto es eterno en medio del miedo, soy joven al lado de mi abuela y vieja al lado de mis alumnos, un obra es eterna si me aburro, lo justo es practica y reflexion. Cada obra, cada clase, cada tema busca desesperadamente sus materiales y hay que descubrir que relaciones queremos ver para encontrar el idioma( lenguaje) que da el "sentido" a la estructura que va" naciendo" con sus propias leyes. Puse en dos renglones 6 horas de charla al respecto, parece un poema pero es muy concreto.

Hay algo de eternidad y de muerte en todo eso y seguramente de ahi nace las necesidad de crear que tengo desde chica, no digo por eso que me resulte facil, en realidad todo lo contrario. Lo que me gusta mucho pero mucho en la propuesta de Gerardo es que la composicion se entrena y creo en eso y asi se cae el mito del artista inspirado, hay mejores que otros no hay vuelta ni duda pero si vamos paso por paso todos podemos compartir un mismo mundo, ir compartiendo como los indios del Amazonas que ven 1000 verdes donde yo veo uno, 1000 verdes que son cada uno una experiencia, un verde peligroso, un verde para acostarse y hacer el amor, un verde que te da hambre ,un verde de juego, un verde muerte, un verde guerra, un verde para llegar a destino. Pretender conocer los verdes de mi selva(me salio Arjona!!) requiere tiempo , los puedo entender pero para conocerlos hay que vivirlos, tocarlos, olerlos y en eso estamos....

Al final del dia cansados de hablar de lo mismo pero sin poder hablar de otra cosa empezamos a decir que la vida es composicion y hoy a la matina con un cansancio aplanadora me acuerdo de la mejor frase para definirlo: Uno se casa con la mercaderia" !!!!! lo dice en todos los ensayos Angel Romero" el vendedor ambulante" (interprete de la proxima obra de Teatro Documental)

Gracias Gerardo ! va con alabanza de Diego,

Hay tantas opiniones como mejillones pegados en un espigon

2011-07-04T08:23:00.014-03:00

Despues de una función todos opinamos, es la parte inevitable y es la parte sin salida. No es que esté mal opinar en caliente, nada más que he confirmado que mi verdadera opinión es al otro día, con los restos y en silencio:

Me gusta, me gusta un poco, no me gusta...
Excelente, genial, emocionante, un bodrio, ni fu ni fa...
Esta parte sí, esta no...
esto me gusta y no se por qué, esto no me gusta y no se por qué...
Una imagen pegada a mi retina y para siempre,
entusiasmo borracho!
o todo lo contrario.....
En ese balance se nos juegan gustos, deseos, proyectos/proyecciones, frustraciones, formación, amistades, conceptos de arte y modos de ver el mundo. No hay nada menos ingenuo y menos transparente que un espectador.

Tipología de opinólogos escrita a velocidad jet (todos tenemos un poco de esto):

Los que si estás muy cerca de su lenguaje siempre buscan la diferencia como falta y no como marca para afirmarse.
Los que si no sos su amigo te pegan por no pertenecer a su tribu.
Los que si estás muy lejos(y despues si te vas muy lejos mejor) idealiza con un comentario "si pero ...".
Los que disfrutan descubrir qué le gusta o no (ese espectador es el más cálido, no está todo el tiempo sentenciando desde el púlpito y te deja entrar en la charla.
Los que te exigen principios que después no aplican, los típicos sin memoria (para mí son insoportables)
Los que hacen bien poco en relación a su rol(no es lo mismo opinar en un bar, que en una clase, que en una conferencia, no es lo mismo si el que opina es docente, no es la misma la responsabilidad)
Los que opinan mucho y contundente, pero hacen poco e inconsistente
Los que disfrutan mucho y agradecen(a veces por que son amigos)
Los que son fans y no hay modo de entrar y no importa.
Los que alaban porque saben que la alabanza pega la vuelta y después les toca a ellos (espíritu corporativo, o algo de eso)
Los que se toman el asunto en serio y opinan, los que se esfuerzan hasta ahí y opina, los que tienen opiniones incluso para lo que no ven... En algo coinciden: los tres sienten que su palabra es la justa (bueno, el que se toma el asunto en serio es el primero en poner en duda su propia opinión, así que nos quedan los otros dos)

Opinar es como abrir un mejillón... depende de muchas cuestiones para abrirlo, la obra es el desencadenante de muchas cosas que trascienden la obra y nunca se opina necesariamente de lo que se ve. Se puede reflexionar, ser intenso, darse tiempo, permitirse dudar, se puede sobrevolar, se puede decir lo primero que nos viene a la cabeza (ah, la espontaneidad!), se puede sentenciar de manera inapelable. Para mí es cuestión de tomarse en serio lo que dice el artista plastico Martin Kippenberger: "Esta vida no puede servir de excusa para la próxima".

Recordemos a Christoph Schlingensief, un arte vivo!!!

2011-06-26T11:31:00.011-03:00

"Su energía era la de un ejército valiente y travieso
y no podía ser contenido en la muerte. Y esta energía
irradia en este momento y que todos los que tuvieron el privilegio de
ser parte de su visión, su trabajo y su sufrimiento
puedan seguir para sentir el poder de su amor infinito."
Patty Smith

Schlingensief: ". El arte sólo es interesante cuando nos enfrentamos a algo que no se puede explicar completamente" Así es un arte político, con un extremo abierto, un arte que es, sin duda no cómplice ideológico . Mi arte en la actualidad ideal se abstuvo de ser perfecto, ajustado y armonioso. Sin embargo, es necesario y urgente."
Uno de sus principales obras es la llamada 'Trilogía de Alemania "(Deutschlandtrilogie), que se ocupa con tres puntos de inflexión en la historia alemana del siglo 20: la primera película de Hundert Jahre Adolf Hitler (" Cien años de Adolf Hitler ", 1989) cubre las últimas horas de Adolf Hitler, el segundo Das deutsche Kettensägenmassaker ("El alemán de la motosierra, Massacre", 1990), representa la reunificación alemana de 1990 y muestra a un grupo de alemanes del Este-que cruzan la frontera para visitar a Alemania Occidental y sacrificados se por una familia de psicópatas con sierras eléctricas de Alemania Occidental, y la tercera Terror 2000 (1992) se centra en la violencia xenófoba después de que el proceso de reunificación.
En 2004, por invitación de Wolfgang y Katharina Wagner y con excelentes críticas, puso en escena Richard Wagner 's Parsifal para el Festival de Bayreuth . Esta producción, en los primeros años llevada a cabo por Pierre Boulez , fue restablecido en 2005 y 2006, pero a diferencia de otras puestas en escena del Festival de Bayreuth no fue filmado.
Una de las tácticas central Schlingensief era poner en evidencia los políticos en un intento de revelar las necedades de su "responsabilidad" del discurso, una táctica que él llamó "tocar algo a través de su fin". Esta estrategia fue más notable en su obra Please Love Austria (alternativamente llamado Extranjeros fuera! Schlingensiefs contenedores ) en el momento de la FPO y de la coalición OVP en Austria, una obra que atrajo el apoyo internacional, un frenesí de los medios de comunicación y un sinnúmero de debates acerca de la práctica del arte.
Schlingensief también dirigió una versión de Hamlet , subtitulado, esta es tu familia, el nazi-line, que se estrenó en Suiza, en el territorio neutral llamado equipararse con la de Dinamarca de la línea de apertura en la obra de Shakespeare, donde hay falta algo en marcha. Acontecimientos en torno a la obra cuestionada y atacada en Suiza "neutralidad" frente a la creciente racismo y la extrema derecha movimientos. También participan los ex miembros de grupos neo nazis, lo que les permite jugar con sus propias debilidades en los términos de los personajes en el drama, y lo llevó a fundar un centro para ex miembros de "de-breve".
Trabajo Schlingensief está cubierto de una variedad de medios de comunicación, incluyendo la instalación y el omnipresente 'talk show' y en muchos casos ha llevado a los miembros del público dejando el espacio del teatro con Schlingensief y sus colegas a participar en eventos tales como la pasión imposible, llamado de alerta para Alemania 1997 o 2000 Oportunidad, Voto por ti mismo en el que formó su propio partido en el que cualquiera podía ser candidato a sí mismos en el período previo a las elecciones federales de 1998 en Alemania. Con sus demandas para que la gente "demostrar que existen" en una época de total cobertura de televisión y "actuar, actuar, actuar" en el sentido de convertirse en activos no los "actores", su obra podría ser considerada como una herencia directa de Bertolt Brecht , como que exige la participación en comparación con la pasividad y sólo mirando como es el caso en el tradicional teatro de texto. En una época de extrema fatiga medios de comunicación, la suya era una voz fresca y aunque se hace eco indiscutiblemente que contiene el pasado, a menudo humorística y subversivas sin embargo nunca cínica. Sus influencias incluyen Joseph Beuys y su idea de escultura social , y los artistas Allan Kaprow y Dieter Roth .
En sus últimas producciones, como el fluxus Iglesia oratorio del miedo y el ready made ópera Mea culpa, por haber protagonizado su propia experiencia con el cáncer, y la relacionó con su "experiencia en el escenario" por primera vez como un joven monaguillo. En este tiempo él comenzó su proyecto más ambicioso: la construcción de un teatro de ópera en el corazón de la sabana africana, en Burkina Faso . En 2010 hizo un tiempo y un rediseño del sitio específico para el pabellón alemán en el 2011 Bienal de Venecia .

Estoy al borde el abismo , pero la vista desde aqui es excepcional

2011-06-25T14:51:00.003-03:00

Tres jovenes entrando en la adultez

2011-06-23T15:23:00.005-03:00

Coordina esta función Rana Artes Escénicas / Entradas anticipadas: $20 estudiantes y $30 general. En día de función:$ 30 estudiantes, $ 40 general.

LUEGO DE DOS EXITOSAS TEMPORADAS en 2010 en la ciudad de Buenos Aires y distintos festivales se presenta el 1 de julio a las 21hs dentro del Ciclo de Teatro y danza que organiza el Teatro Municipal la obra de danza CARIÑO, LA INQUIETANTE Y CONMOVEDORA OBRA DE MAYRA BONARD.
LA COREOGRAFA–UNA DE LAS CREADORAS DE EL DESCUEVE Y DE LA GUARDA presenta Cariño CON UNA INNOVADORA FUSIÓN DE LENGUAJES y una poética propia en dónde la pasividad no tiene lugar. LA OBRA TIENE CANCIONES DE DIEGO FRENKEL, MUSICA DE DIEGO VAINER Y UN REMIXADO DE VILLA DIAMANTE.
LOS TALENTOSOS INTERPRETES IGNACIO MONNA, VICTORIA CARAMBAT Y FEDERICO FERNANDEZ WAGNER, NOS TRANSPORTAN CON CRUDEZA PERO TAMBIEN CON SENTIDO DEL HUMOR AL INTENSO Y CONTRADICTORIO UNIVERSO DE LAS EMOCIONES DESNUDAS.

CUENTA MAYRA BONARD
Tres jóvenes entrando en la adultez conviven en una pradera verde artificial, probable campo o suburbio futurista.
El mundo está lejos o se extravió y esa lejanía propicia que salgan a la luz los instintos más primarios en forzada convivencia, sin la clara marca de la ley.
Se relacionan entre sí como niños, como hermanos huérfanos, como madre e hijos o mujer y amantes, como los dos aprendices ante una dulce y sádica institutriz. Este mundo de relaciones excedidas, se expone mediante una diversidad de lenguajes que terminan constituyendo un relato inconsciente y sensorial.
La fotografía, el rock, la música electrónica, la danza, la canción, el teatro y la palabra son elementos que se combinan en esta obra en donde se mezclan los tonos y los géneros, destacándose un fuerte sentido del humor que nos acerca y empuja suavemente al universo de las pulsiones.

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA
Intérpretes: Ignacio Monna, Victoria Carambat, Federico Fernández Wagner
Canciones, arreglos y dirección vocal: Diego Frenkel
Escenografía: Luciano Stecchina
Vestuario: Cecilia Alassia
Diseño de luces: Gonzalo Córdova
Fotos: Robert Bonomo/Ana Garabedian
Colaboración Artística: Ezequiel Matzkin
Prensa: Simkin & Franco
Asistencia de dirección: Wendy Rosker
Concepto y Dirección: Mayra Bonard
La obra cuenta con el auspicio del Goethe Institut y fue nominada a los Premios Teatro del Mundo 2010.

“…La fusión del drama con diversos lenguajes lleva a escenas en las que un idioma extranjero se convierte en una música ligera, un enojo puede ser asimilado como un chiste arrollador y una coreografía sin palabras tiene una tensión infalible. La exploración de los cuerpos, en una tradición de musicales que se desprenden de El descueve, del cual Bonard fue una de las creadoras, mezcla los ímpetus y las expresiones de los actores, tangibles e indescifrables, listas para ser interpretadas.”
RADAR PAGINA 12

“…Mayra sabe manejar el orden y el desorden escénico..
Esa apuesta por el cruce artístico es algo que ella maneja con convicción, con personalidad.. es capaz de construir una poética propia en la que los tres intérpretes despliegan sus amplias posibilidades expresivas en un montaje que posee escenas inquietantes.”
ALEJANDRO CRUZ, LA NACIÓN

Con interpretaciones de lujo, la última obra de Bonard es una de las joyas que relucen entre la nutrida oferta cultural de los porteños...
Casi como una alcantarilla cuando se desborda y despide el agua a borbotones, empieza a salir una visceralidad emocional que rebalsa, en estado puro. Y expone el secreto del cuerpo a la vista de todos. Cruza entre sexualidad y juego, o entre exceso y escasez, o entre ingenuidad e impureza… la obra gira en torno de las percepciones y los reflejos que refracta la palabra cariño. Y propone interrogantes desde un lenguaje muy personal, fiel al estilo Bonard, que consigue inquietar -incluso incomodar-
PAULA PICAREL, BA VOICE

"Rigurosa, la tercera propuesta que la coréografa lanza al circuito teatral después de los ya legendarios años de "El Descueve", revela al terceto compuesto por Ignacio Monna, Victoria Carambat y Federico Fernández Wagner, el elenco perfecto para esa armonía tan seca como intensa con la que "Cariño" construye una idea original del amor original. Amor embrionario. Disruptivo. Con una conmovedora banda sonora de fondo, y en la superficie, los amantes de Bonard protagonizan un espectáculo extraordinario.."
FRANCO TORCHIA, revista ñ Clarín

“Cariño” parece guiar a intérpretes y espectadores hacia ambientes profundos y desconcertantes con la fluidez y la naturalidad de un juego de niños. Lo lúdico, lo efímero, las sacudidas y afectos convocan constantemente al espectador a involucrarse: a reír, conmoverse, desear. No hay pasividad que pueda instalarse.
“Cariño” se propone como una experiencia en el sentido más amplio, a través de diferentes lenguajes, pero utilizando siempre el cuerpo como lugar de sentimiento, de interpretación comprometida, profunda.
Gabriela Koolen, Danza Net

“Este cariño parece no tener límite ni nombre. Nos corremos de un lugar de entendimiento de los discursivo para exponernos a un sentir, o mejor dicho, a un comprender sintiendo.”
Agostina Dolcemáscolo. Artes escénicas. Imaginación atrapada

“…Bonard, who already showed a play in a Queer fest, is interested in sexuality and role-playing. She likes to turn stereotypes on their head. Cariño explores the feminine side of men and the masculine side of women…Besides, the play deals with the meaning of words in different languages and love in different cultures. What’s the difference between saying “I love you” and “Ich liebe dich” or “Je t’aime”? And what is love, anyway? “Affection” is neither love or indifference. It is a feeling in between, a sort of limbo…Cariño is mostly about emotions.”
BUENOS AIRES HERALD

En que se parece Cindy Sherman a una chica bahiense?

2011-06-20T01:02:00.006-03:00

Cindy Sherman dice: " el arte tradicional no me interesa en absoluto"

Recorte en abismo

2011-06-18T11:13:00.002-03:00

Armando un diario del diario de SS

2011-06-17T19:24:00.004-03:00

"Me gusta la gente que exterioriza sus sentimientos"
Susan Sontag

" Limite del pensamiento=lenguaje.El lenguaje es el limite entre las sensaciones y el mundo."
Susana Sontag

SS= Susan Sontag

Galeria de arte impuro VIII : Autobiografia

2011-06-13T22:37:00.009-03:00

Cuerpos mirados por Sergio Javier Barriga

2011-06-11T09:55:00.015-03:00

Como docentes y alumnos de la Escuela de danza tenemos mucho que aprender de los docentes y alumnos que están llevando la práctica artística a distintos/distantes puntos de la ciudad y de la zona. Como futuros docentes o como docentes de distintas disciplinas que enseñamos en la comunidad de la danza los invito a buscar a través de éstas crónicas la conexión entre la mano y la cabeza y encontrar la recompensa de vincular un saber y un propósito, el "cómo y el por qué", la recompensa de aprender algo de nosotros mismos en el proceso. Por eso voy a ir subiendo de aquellos docentes que con su experiencia nos pueden mostrar su saber, su mirada y sobre todo la capacidad de comprender que no es lo mismo enseñar danza desde la modalidad "ir hacia" que desde un "hacer desde". Para lograr este tipo de carácter en la docencia son necesarias la modestia y la conciencia de nuestras limitaciones. El objetivo es descubrir en éstos breves textos cómo hacen los que hacen que la práctica artística tenga sentido en muy complejas y diferentes situaciones.

Cierro con una definición del pensar de Heiddegger: "pensar sería entrar en- la- proximidad- de - la -distancia" y éstos docentes lo cuentan muy bien, no se acercan tanto que se disuelven en lo que miran ni se alejan tanto que pierden relación del verdadero pensamiento que nace de su experiencia.

Hoy Sergio Javier Barriga, Docente en la Carrera de Folklore de la Escuela de Danza de Bahía Blanca, docente en distintas escuelas ESB/EPB de la ciudad y la zona, Director de varias Peñas como Hermana Tierra en Bahía Blanca y ganador de muchos premios a nivel local y Nacional.

CLASES EN LA ESB N º 315

Primeras clases

Por segundo año consecutivo me encuentro dando clases en la ESB 315 en el 1º año “C”, en situación de revista suplente, la titular de la cátedra es Agüero Sonia, su suplente por unos meses fue Sagel Marcela. El curso tiene 23 alumnos entre los cuales casi la mitad son repitentes. La conducta entre ellos y manera de dirigirse al profesor no es para nada la mejor.
Reina un ambiente en donde la violencia es la moneda corriente, se pegan, se escupen, empujan sillas y bancos… (La escuela se encuentra enclavada en lo que era el POLICLINICO, o el Hospital Pena viejo).
Esta ESB como tantas otras comparten edificio, esta lo hace con la media 14. (En realidad está de prestado, es lo que hacen sentir preceptores y directivos).a pesar de ser un edificio relativamente nuevo, no cuenta con SUM ni gimnasio, pero si con patio al aire libre.
Las aulas son grandes y la mía esta en el 1º piso, razón por la cual mas de una vez se le llama la atención a los alumnos por el ruido, porque… “abajo están en clase”…como si ellos no lo estuvieran.
El único contacto con la directora fue una vez, a la hora de la entrada 15,20 aproximadamente, ya había tocado el timbre y los chicos tardaban en entrar al aula, después de que lo hacen, ella me llama y me dice:
Directora: _ ¿Vos que das acá?
Profe: _ Danza, folklore
Directora: _ a bueno, tócales la guitarra, ponele música hace algo pero que estén en el aula y sin hacer ruido… eh?”
Que aprendan algo pero sin hacer ruido estos…
Profe: Si pero…tendríamos que correr los bancos.
Dire:_ No, no que trabajen ahí.
No me dio lugar ni a explicarle nada.

Llevo 9 clases desde el comienzo del año y recién el la séptima clase pude abordar un contenido especifico de los que me había fijado, alguna figura del gato, después de pasar por otras…
En las primeras clases conversé que no disponíamos de espacio adecuado y no había predisposición alguna de los directivos en encontrarlo, que las clases eran de movimiento pero no había lugar para eso.
Alguna vez que el día lo permitió salimos al patio, pero no pude lograr que se paren, estaban todos sentados y se portaron bastante mal, creo que les da mucha vergüenza. Algunos corrían y se escondían así que decidí volver al aula y utilizar lo del patio a modo de premio si trabajaban bien en el aula.
El camino se empezó a recorrer:

Los contenidos fueron noción del termino folklore, tradición, etc, tareas escritas, Traté de explicar y justificar la importancia de que conozcan cosas en relación a nuestro país, una de las unidades es REGIONES FOLKLóRICAS pero me di cuenta que no pude enseñar porque no conocían las provincias entonces… a buscar mapa, pintar provincias, etc.
No me siento bien dando una clase ajena totalmente del movimiento, pero hasta no tener algunas pautas de convivencia, era imposible salir, y en el aula tampoco podíamos hacer ruido, así que ahí estaba anclado.
Los directivos (vice directora y secretaria) también me han hecho notar que no les gusta demasiado que salgan al patio, y menos de la escuela, pues el año pasado, cuando nos dirigíamos junto con un portero que me acompaño a un salón distante 60 metros de la escuela, se escaparon dos alumnos, de igual modo ya no contamos con ese salón, porque ahora funciona allí una escuela de adultos y una capilla.
Como dato: en esta ESB el año pasado fue apuñalado un chico en la hora de E. Física (clase que desarrollaba en el predio que rodeaba la escuela).
Bueno, así siguieron varias clases, dictar un poco y estudiar en clase las provincias, (imposible pedir que traigan mapas, que hagan tareas y menos que estudien fuera del horario escolar)a eso agreguemos celulares!
Y cansado de lidiar con los celulares les digo… -a ver que escuchás en el celula??.
- ¡Cumbia!... que vamos a escuchar… folklore es música de viejos… risas…
- Yo también me río y digo – claro, a mi también me gusta la cumbia… pero no la cumbia villera.
- Nosotros somos villeros, esta es muestra música – m luego charla-
- Bueno mira, pasa que yo soy viejo y a mi me gusta otra música antes, se escuchaba otro tipo de cumbia. Entonces ellos comienzan a conversar al modo que les es común, a los gritos… y casi todos a la vez sobre intérpretes.
En esa clase me fui un poco más animado ya que pudimos mantener en la charla un orden relativo e introducir algún contenido, género musical, intérprete, etc y no tuve que sacar ningún celular.
La próxima, como siempre estaban con los celulares al mango, cuando veo que alguno de los que siempre anda dando vueltas en el aula realiza un par de pasos de cumbia (y muy en ritmo) y pienso …. por acá voy a entrar…
En ese momento pasó “MAFALDA” (así llaman a la preceptora de unos casi 60 años) mira por la ventana con gesto de sorprendida, pues estamos escuchando cumbia y el aula bastante desordenada, no traté de que se sienten y dejé que algunos lo hagan sobre los bancos, de a poco se comenzó a formar un círculo cerca del celular que seguía con cumbia.
Me acerqué y me puse a escuchar música con ellos, y a preguntar que otra música escuchaban, una dijo electro, puso música en su cel y me enseñó como bailaba, lo hacía muy bien, los compañeros la cargaron, pero a ella no le importo,
Que bueno!!!! le dije, le dimos un aplauso y les pedí:
- A ver … necesito que traigan música para la próxima… que a ustedes les guste..
El movimiento se instala cerca y nos une:

_Eh profe, hoy no vamos a copiar? hoy tenemos que escuchar música!!!!
Otro alumno – si y también vamos a escuchar música afuera, que esta lindo el día.
Profe– si se portan bien, vamos.
(Tengo la suerte de la preceptoria esta cerca del aula porque el docente tiene prohibido dejar solos a los alumnos. Llame a la preceptora para avisar que íbamos al patio, bueno dijo, pero en silencio!!!).
Una vez en el patio escuchamos un par de cumbias y fuimos anotando las letras, luego escuchamos otros géneros musicales, entra ellos folklore argentino (carnavalito de los Tekis.) del cual también anotamos la letra.

Luego comparamos algunos términos de las letras de las cumbias “negro cumbiero” y el otro no recuerdo, ellos me explicaron términos como… CHETO; NEGRO CUMBIERO; FLOGER; GATO; ROCHO y TURRITO y yo hice lo propio con el carnavalito.
Más allá de enriquecerme y comprender otras acepciones de palabras que creía conocer comenzaba a tener una relación mas cercana, de confianza y aceptación que no había encontrado antes.
Me estaba preocupando por entender mas y compartir con ellos sus gustos y con cumbia villera como recurso enseñe acento, pulso, ritmo y genero. Y también logre ponerlos a todos de pie en círculo en el aula
Profe:- bueno me enseñan como se baila, (baile unos pasos).
Alumnos:- risas. Así no se bailaaaaaaaaa.
Primero comenzaron un par de varones poniéndose uno a la par del otro, balanceándose muy acompasadamente con los brazos colgados, caídos por delante del torso y este bastante inclinado hacia adelante, sus cabezas no estaban ausentes al ritmo, se miraban y sonreían…
Profe:- bueno, vamos todos.
Así que comencé poniéndome al lado e imitándolos (se incrementa las risas) y se suman algunos, no muchos dos o tres, pero si todos estaban atentos a lo que pasaba, cosa que casi nunca se logra.
Ya en círculo propuse un trabajo, primero que se incorporen algunos que seguían sentados sobre la mesa y comenzamos a marcar pulso solo con la media punta del pie, allí note que solo a dos les costaba encontrar el tiempo. Pero bien seguí adelante sin tratar de corregirlos(se estaban moviendo).
Profe:- bueno ahora en canon.
Alumnos:- qué es eso?
Profe:- explicación (alumnos atentos).
Lo vamos haciendo en grupo de a dos luego de a cuatro (debo pensar rápido, buscar cosas para no perder su atención).
Profe:- bueno, ahora con los hombros, con la cabeza (algunos van desertando)
Pienso para mí… esto no esta teniendo onda.
Profe:- bueno, (tono imperativo). Vamos todos, ustedes también, solo salen los que pierden, (obvio que ellos quieren hacer dúo con sus amigos). Pero los voy cambiando de lugar y también cambio yo, acomodando los mas rítmicos con lo que no lo son (todos a su tiempo pueden meterse).
Incorporamos un par de pasitos más y ya eran cuatro dos adelante y dos atrás, seguimos trabajando canon pero de formas más complejas.
Así que ahí vamos, éste es un registro de lo que pasó y pasa pero no sé como sigue la historia, lo bueno es que vamos haciendo danza mientras nos vamos entendiendo entre nosotros.

:

y si le hacemos caso?

2011-06-06T22:00:00.005-03:00

Este texto de Leonard Cohen salió el domingo en Página 12, lo comparto:

Por ejemplo la palabra “mariposa”. Para usar esta palabra no hace falta aligerar la voz, ni dotarla de pequeñas alas empolvadas, ni inventar un día soleado o un campo de narcisos, ni estar enamorado, ni estar enamorado de las mariposas. La palabra “mariposa” no es una mariposa de verdad. Está la palabra y está la mariposa. La gente tendrá todo el derecho a reírse de ti si confundes estos dos conceptos. No le des tanta importancia a la palabra. ¿Qué quieres transmitir, que amas a las mariposas con más perfección que nadie o que entiendes realmente su naturaleza? La palabra “mariposa” no es más que un dato. No te da pie a revolotear, elevarte, proteger las flores, simbolizar la belleza y la fragilidad o interpretar de alguna forma a una mariposa. No representes las palabras. No representes nunca las palabras. No intentes nunca despegar del suelo cuando hables de volar, ni gires la cabeza y cierres los ojos cuando hables de la muerte. No me mires con ojos ardientes cuando hables del amor. Si quieres impresionarme al hablar del amor, métete la mano en el bolsillo o debajo del vestido y acaríciate. Si tu ambición y tu hambre de aplausos te han llevado a hablar del amor, debes aprender a hacerlo sin desacreditarte a ti mismo ni lo que dices.

¿Qué expresión podría definir a nuestra época? Nuestra época no tolera expresión alguna. Todos hemos visto fotografías de madres asiáticas desoladas, así que no nos interesa la agonía de tus órganos achacosos. Nada de lo que puedas expresar con tu cara tiene parangón con el horror de nuestro tiempo. No lo intentes siquiera. Sólo merecerías el desprecio de los que han sido tocados en lo más hondo. Todos hemos visto noticieros con seres humanos embargados por el dolor y la desazón. Todos sabemos que comes como Dios manda y que hasta te pagan para que te subas a un escenario. Estás tocando para gente que ha vivido catástrofes, así que tranquilízate. Di las palabras, transmite los datos y hazte a un lado. Todos sabemos que sufres. No puedes contarle al público todo lo que sabes del amor en cada verso de amor que digas. Hazte a un lado: la gente sabrá lo que tú sabes porque ya lo sabía. No tienes nada que enseñarles. No eres más hermoso que ellos. Ni más sabio. No les grites. No fuerces una entrada en seco. Eso es sexo mal practicado. Si muestras el contorno de tus genitales, entrega lo que prometes. Y recuerda que, en el fondo, la gente no quiere acróbatas en la cama. ¿Qué necesitamos? Estar cerca del hombre natural, estar cerca de la mujer natural. No quieras ser un cantante venerado por un público numeroso y leal que desde siempre ha seguido los altibajos de tu carrera. Las bombas, lanzallamas y demás mierdas han destruido algo más que árboles y poblados. También han destruido los escenarios. ¿Acaso creías que tu profesión iba a escapar de la destrucción general? Ya no hay escenarios. Ya no hay candilejas. Estás entre la gente, por lo tanto sé modesto. Di las palabras, transmite los datos y hazte a un lado. Quédate solo. Quédate en tu habitación. No montes un número.

Se trata de un paisaje interior. Está dentro y es privado. Respeta la intimidad de tus textos, pues fueron escritos en silencio. La valentía de la interpretación es decirlos. La disciplina de la interpretación es no violarlos. Deja que el público sienta tu amor por la intimidad aunque ésta no exista. Sé una buena puta. El poema no es un slogan. No puede promocionarte. No puede fomentar tu reputación de sensible. No eres un semental. No eres un ladrón de corazones. Tanto gangster del amor y tanta tontería. Eres un estudiante de disciplina. No representes las palabras. Las palabras mueren cuando las representas, se marchitan, y no nos queda más que tu ambición.

Di las palabras con la precisión exacta con que comprobarías la ropa de tu colada. No te conmuevas con una blusa de encaje. Unas braguitas no tienen por qué ponértela dura. No tiembles al ver una toalla. Las sábanas no han de dibujar una expresión de ensueño alrededor de tus ojos. No hace falta que llores en el pañuelo. Los calcetines no están ahí para evocarte extraños y lejanos viajes. No es más que tu colada. No es más que tu ropa. No seas un mirón escudriñando a través de ella. Limítate a llevarla puesta.

El poema es mera información. Es la Constitución de la patria interna. Si lo declamas y lo hinchas con nobles intenciones, no eres mejor que esos políticos que tanto desprecias. No haces más que agitar una bandera y llamar patéticamente a la patriotería emocional. Piensa en las palabras como ciencia, no como arte. Son un informe. Es como si dieras una conferencia en la Federación de Montañismo. Las personas que te escuchan conocen todos los riesgos de la escalada, y te honran dando por sentado que lo sabes. Si se los pasas por la cara, estás insultando la hospitalidad que te ofrecen. Infórmales de la altitud de la montaña, describe el equipo que utilizaste, especifica el tipo de superficie y fija el tiempo que duró la escalada. No busques dejar al público boquiabierto. Si el público se queda boquiabierto, no será debido a tu apreciación de los hechos, sino a la suya. Tu mérito estará en la estadística y no en las inflexiones de tu voz ni en los ademanes enérgicos de tus manos. Estará en los datos y en la tranquila organización de tu presencia.

Evita las fiorituras. No temas ser débil. No te avergüences de estar cansado. Tienes buen aspecto cuando estás cansado. Parece como si pudieras seguir y seguir sin parar. Y ahora ven a mis brazos. Eres la imagen de mi belleza.

Leonard Cohen, Mayo 2011

La semana pasada, el canadiense Leonard Cohen recibió el premio Príncipe de Asturias en Literatura. Además de ser el cantautor de voz bíblica y lirismo sexual por lo que es conocido y admirado en buena parte del mundo, a los 76 años sigue fiel a su primera vocación: la poesía. Publicó su primer poemario, Comparemos mitologías, en 1951. Desde entonces, editó dos novelas (El juego favorito y Hermosos perdedores, recientemente reeditadas por Edhasa) y más de una docena de libros de poesía (el último hasta ahora, Libro del anhelo, es del 2006 y fue publicado por Lumen España; la mayoría de los otros, como Flores para Hitler, La energía de los esclavos y La caja de especias de la tierra se consiguen por Visor). Esta suerte de arte poética está incluida en La muerte de un mujeriego.

Al momento de anunciarse el premio, Cohen estaba descansando después de una gira maratónica de más de un año, la primera después de una larga década recluido en un monasterio zen, y con la que intentó recuperar algo de los ahorros con los que huyó su manager durante ese tiempo

El árbol de los suecos fue mi destino

2011-06-04T09:38:00.011-03:00

En el año 78 yo tenía 8 y vimos con mis padres el "Arbol de los suecos" en el cine Plaza. Fue tan grande la emoción que siempre dije que era mi película favorita sin saber muy en claro la razón. Anoche después de tanto tiempo la volví a ver y comienza con unos títulos que dicen que la película Italiana era de formato documental y que los actores no eran profesionales y están a cargo de los protagónicos . Sorpresa y revelación!

El film recibió la Palma de Oro en Cannes y el Premio César a la Mejor película Extranjera.

Ermanno Olmi, es el director y dice enfrentarse con el propio pasado y encontrar, de nuevo, respuestas en el presente. Para él: las únicas posibles, las de la tierra.
La película trata de la dura vida de una comunidad de campesinos, a finales del siglo pasado. Trabajaban las tierras pero todos sus bienes pertenecían al dueño, que además se quedaba con dos tercios de la cosecha.El título de la película define y da cuenta del final, uno de los niños campesinos se le rompe uno de sus zuecos de camino a casa; su padre deberá buscar, en los alrededores, el tronco de un árbol para fabricarle otro par de zuecos, lo que le trae problemas con el capataz. Lo descubren y lo hechan. La influencia del neorralismo italiano es innegable(pienso en La terra trema de Visconti).

El árbol de los suecos nublado y lejano se encargó silenciosamente de que ponga las manos en la masa dentro de lo documental? siempre miré el recorrido de las vidas, simultaneidades que se descubren al bajar la velocidad, como en una foto o en una película. La película dura 3 horas, tiempo suficiente para entrar en los cuerpos y en sus ritmos. Tiempo documental que tuerce las cosas, incluso los recuerdos.

Me pregunto: qué más no me acuerdo? si uno pudiera vivir de nuevo los recuerdos que pasaría? ayer lo hice y resultó sorprendente.

arte y tecnologia (maquinas deseantes)

2011-06-01T09:32:00.002-03:00

Gracias Antonio Armada por el video.

Galeria de arte impuro VII: Pura danza

2011-05-30T08:56:00.002-03:00

Porcentajes de entrega

2011-05-29T10:24:00.011-03:00

Hace varios dias me pregunto si voy a poder sostener mis proyectos (que son deseos y son topes a la vez), busco para un lado y para otro algun signo y sin darme cuenta escritura y movimiento bajo un principio basico "sostener" entran en dialogo para responderme. Uno elige donde sostener y como, a partir de ese lugar surgen mis preguntas.

Para sostener con la energia justa no hay nada mejor que compartir puntos de apoyo con el mundo que te rodea. Me apoyo y sostengo siempre en porcentajes de entrega.

Como dice el Indio Solari: El futuro es hoy.

Hoy me sostengo en equilibrio inestable con relativa entrega. Lo de relativa es el problema?, veremos....Temperatura en ascenso.

Galeria de arte impuro VI: Mi otra cara despues de Philipe Genty

2011-05-25T17:28:00.014-03:00

Phillipe Genty me dijo: " descubri la cara de las cosas, su ritmo, su propiedad " un tiempo despues me descubri yo.
Las fotos son de Bela Borsodi, fotografo austriaco. Residente en NY, EEUU.

Potencia creativa en el Teatro Documental

2011-05-23T21:48:00.006-03:00

Para definir el Teatro Documental cita genial de Toni Negri

"Lo universal está en el cuerpo pero a la vez el cuerpo tiene una potencia creativa y de libertad irreductible. Ningún cuerpo se deja explicar del todo por ningún discurso"

Galeria de arte impuro V: ARTE CONCEPTUAL

2011-05-22T09:39:00.013-03:00

La Asamblea de Sol se pone como objetivo cambiar la ley electoral 2011